賤精哥哥的生存之道--《錦繡前程》互勵互助一起共勉

  今年2021年是哥哥張國榮逝世18年，風繼續吹，文華酒店外的蠟蠋與鮮花沒有因疫症而隔離。年輕「哥迷」為哥哥辦紀念展覽，4月1日香港國際電影節播放哥哥的電影全院滿座。現在電影院，電影節時不時也有回顧，澤東公司為慶祝成立三十年而出紀念品，修復，電影資料館的《尋珍記》亦分別播放《阿飛正傳》的午夜場版與35MM菲林版，年尾的放映早在開售不久就售罄，足見哥迷的影響力之大。電影院，片商主要播放出名的作品，特別是得獎的，有話題性的。最近影碟公司復刻1994年的《錦繡前程》，當初看到以為自己未看過，原來早在幾年前看過了，真是一部名不經傳的作品。也許不及《金枝玉葉》（1994）般在電視重播很多次，影片節奏也比較沉悶不鮮明，所以不太記得劇情，翻炒完過後大概以後也記得了，尤其是哥哥在戲中有名字：林超榮，是個大仆街，而真林超榮的老婆就更加是無人格的賤婦。

賤到盡頭就是無敵

  《錦繡前程》最主要講到阮世生（香港電影編劇的名字）（梁家輝飾）夢想是成為音樂人，身在老人院打份牛工，家有一妹Elaine(陳妙瑛飾），從中五開始林超榮就借故騙世生做朋友追女仔，在十年間這對好朋友有冤有仇，互相忍讓。再加上黃子華與王敏德

（戲名馬偉豪，張志成）成為四人幫的兄弟，相安無事，有錢齊齊搵，有酒齊齊飲。林超榮生性玩世不恭，吊兒郎當，厚面皮問女友借錢不遂耍賴，打份工又不認真，男人老狗身無份文，對朋友出老千，無責任心，最敗家是與朋友去賭場因懶醒而累到朋友。明知阮世生暗戀關之琳飾演的Winnie Tsang (又是電影人的名字）都要搶人的暗戀對象試愛。可憐的阮世生失去暗戀目標，阿妹俾林超榮飛左四次，仲要間老人院都俾老友欺騙，阮世生可謂是地獄黑仔王再加上是老襯中的老襯。每個兄弟都俾林超榮的屎橋害到雞毛鴨血，開電腦公司的馬偉豪做正當生意被逼賣翻版被告，張志成較幸運有惡老婆監督。正當你以為林超榮夠賤要車佢兩巴時，他的上司曾江飾演的BOSCO就是賤人中的賤人。明知下屬Winnie深愛著他不但不肯離婚還當她是用錢買的女人，此乃不尊重女性，二是金錢利益至上，沒有人情味。相對來說，林超榮再賤是有人性，他會內疚會覺醒，而面對這樣的張國榮根本唔會有恨意，他古惑而聰明，懂得甜言蜜語又有一副迷倒人的色相。

哥哥歌迷會保留了當時的封面雜誌

                                                      

大家都是賤人，在溝渠仰望星星

  在這部電影除了出賣朋友也看到腳踏實地終需乞食，阮世生做個快樂老實人是不會有好報，賤精如林超榮吸引到女孩子，在工作上走精面而搵到第一桶金。買翻版在近十年有下載而式微，曾幾何時賣老翻無論是色情片，電腦軟件，LD版VCD 大行其道。大家都知道是不對的，但都禁不住要做，現在都一樣。為了剷除同事就用掐造一個罪名，到最後自食其果再沒有人為自己發聲，拉一派打一派，漸漸大家習慣了不再出聲。現實生活中很老實問我要做林超榮還是阮世生，年輕一點有理想可能較有骨氣，但到頭來發現自己也變成那樣的人，這是成長的一部份，連自己也看不起自己。

  戲中關之琳為了一個得不到的男人所付出也是賤，她與Bosco各有各玩，但知道自己的心離不開他，因為她愛錢也愛這個男人。在關一出場就與包養的小白臉分手，大手送保時捷給對方。而林超榮最初看中她的錢，可是Winnie卻一早看穿他的不務正業與胡混，二人從針鋒相對到開始明白對方都是同是天涯淪落的賤人，賤人也有可悲可恨之處。至於哥哥最後回到陳妙瑛身邊也是有情人終成眷屬，十年分四次手，每一次復合，男的厚面皮，女的癡情願意受虐。聖經教導原諒人77個7次，簡直是聖人上身。阮世生身邊有暗戀他的小嫻守候他，聽他說難聽的話，到最後也等待到愛情，卑微，卑賤，屈就的愛，其實戲裡的人通通都是賤人，作賤自已的人，在溝渠裡仰望星星。

斜陽裡 氣魄更壯

 今日睇《錦繡前程》除了看張國榮，看九十年代的自由的面貌，雖然不是勵志片，到最後幾位主角一起唱羅文的《前程錦繡》還是有打動的，縱然是老歌甚至是老土，但今日香港人是好需要同舟共濟，過去幾年大家都過得不太好，最近每天都有壞消息，實在無力招架。可以做的是訓一覺看日出，知道聽朝天邊一光新的希望。有些事情總不能計較太多，面對大是大非，互勵互助又互勉。留下來的香港人只會愈來愈少與弱勢，要先好好生活方能生存。淚下抹乾，敢抵抗高山，攀過望遠方。 Until next time, we will meet again.

通往粵劇之路（二）：如來如去．《後話西遊》

 第四十九屆香港藝術節在疫情期間分別以線上與實體形式舉行，當中戲曲作品有《挪亞方舟》，網上版有京劇《龍鳳呈祥》與融合新編粵劇與劇場元素的《後話西遊》，本來《後話西遊》是2020年委託作品，延期至2021年以錄像方式上映。由年輕劇作家江駿傑編劇與演出，再找來樂師與劇場人來合作而成。對江駿傑的作品早有認識，藍天藝術工作室的代表作《女兒國之無明愛》是由江所編劇，公演過三次，劇作主題曲《女兒情》相當洗腦，唐僧四師徒困在女兒國面對女王對唐僧的愛慕之情，二人竟有宿世恩怨。唐僧也是人也會有愛慾之情，二人譜出禁戀。女兒國遭到河神的咀咒，必須捨愛捨己平息災劫，女王犧牲愛情為了讓唐僧完成取西經的重任，相約來世再見。總括而言舞好睇，戲有意思，歌好聽，是筆者心中要翻撻的劇作。

  香港粵劇界當中《女兒國》的題材中亦有雙胞胎，分別是康華粵劇團與藍天藝術工作室的作品，在粵劇作品當中較少出現女性的君主，題材上是頗為另類，特別是涉及禁戀，劇情涉主僕、師徒、君臣，男女之間的情誼。《後話西遊》某程度上是延續了之前劇作的命題，並加以想像與改寫，將戲曲（南音）、中樂、形體的舞台劇，是比較前衛創新的表達方式。

                                            

  真假經書與大話西遊

  在《西遊記》中有一節寫到唐僧四師徒去到小雷音寺，唐僧堅持入內參拜，堅信裡面會有佛可拜，實際上是變節神仙成妖精設下的局，借佛敗壞名聲。即做唐僧四師徒知道小雷音寺是假道學建立的依然要過他們取西經途中要遇到的劫數。在書中寫到如來佛祖教悟空收復黃眉老祖。在佛教中有無我的概念，在《後話西遊》裡有很多的可能線索可以參透，眼前的一切既是試探，考驗各人的定力，也許是他們師徒命中的一劫。又或者是最後的結果，取西經是一個謊言，到頭來取到無字經書一場空。在無我的世界裡，眼前的這個我非我，真真假假，虛則實之。在某一個平行時空裡，唐僧取了西經成佛，又或者在另一個時空，他沒有取到西經。而在劇中他是取錯西經還是取了真經，這是觀眾自我探索。

  在劇中，真假西經卻成了師徒間信任與情緒爭吵的爆發點，唐僧相信眼前的是真經。即使眼前的觀音象徵物慾與貪婪，但他也傾向相信是真經，相信冥冥中有主宰。孫悟空質疑不願再聽從師父的話，八戒想息事寧人討好兩家，悟淨靠在大師兄一邊，唐僧開始唸《金剛經》中的「我相即是非相，人相、眾生相、壽者相亦是非相」，讓他們警惕自己眼前的事物並不是真實，但無效，十四年師徒情反目成仇，幾人困在結界出不到去還要觸發一場風暴。昔日為了同一個目標的兄弟手足都離隊，眼在燃燒，幾師徒決裂，唐僧用權杖控制悟空不果，不久便陷入自相殘殺與奪權之中。

  應聽從內心還是隨波逐流？

   在幾師徒當中，只有唐僧是有人性，徒弟們都是有獸性，代表慾望，只不過有了取西經的目標而聚首。而傳說中食了唐僧肉可以長生不老，如果不是尊師，他們也有可能想食唐僧肉。於是當眼前的目標幻滅就產生了罪惡，人與人之間也不過如是，有爭執，各種分化，留下與離開。沙僧平日是最溫純的人，一下子也挑戰權威，更搶了師父的袈娑。唐僧仍然相信自己可以教好徒兒，以為他們會顧念師徒的情誼，談起夭心夭肺的舊情，昔日幾師徒如何在晚上為師父磨墨，如何的馴服與守候。望平息一場干戈，誰知眾叛親離，在戲劇中最終更被佛祖親自處刑。劇裡有很多意象的東西，例如出現有中港車牌的汽車，有人會解讀這部戲是政治劇，套上臆想，又例如不太理解佛學哲理的人會感到困難與摸不著頭腦，所以這部劇是開放的，猶如大千世界，沒有一個答案。鏡花水月，就看觀者的心。

   開始序篇時唱到一段南音，幾師徒如前塵往事走進迷霧，特別提到四個字：如來如去。來至《金剛經》「如來者，無所從來，亦無所去」，好像是物理現象，蝴蝶效應。看似虛無，卻有所獲。有些選擇看似是錯但錯不了，對也對不了。既然發生就只好讓它發生，在於參悟的過程多於結果。所不所謂大話西遊，真經與否都不重要，去到一個位就有該發生的事，地球依然在轉動。在劇中的世界觀套用在現在的日常生活，有人認為這是艱難的日子，有人苦中作樂，有人選擇走別的路，有人順從，但同時有人選擇修行，而如何過好生活，自我檢討就是修行的一種。

  同時，在戲中也有可圈可點的一幕，唐僧死後只有白龍馬去看師父一眼，那是出於關心的看一眼。在《西遊記》中白龍馬是沒對白沒戲份的一位，但卻是與唐僧羈絆至深的伙伴，他沒話語權，縱然最後選擇隨波逐流但內心是「無間道」，為了生存身不由己，不然他有機會成為另一個死者。唐僧當下聽從自己的內心，不管對與錯，徒弟如是，大家都以為自己是對的一方，太想佔有對方，產生如此的鬧劇，大鬧天宮，欺師滅祖。看畢這個劇有很多想法，也許取西經從一而終是個天仙局，又例如在一些警匪片中會發現警察原來是黑社會，戲中佛祖的拜金，又會殺人，根本就是假正經。應對在現實，我們身處的空間也實在太多荒謬事。

吹嗩吶中人正是白龍馬

劇場與創意空間

  《後話西遊》拍成劇場錄像也許比直接上舞台的效果得宜，在舞台上要觀眾消化眾多的信息，要思考各人的面向是困難的。傳統戲曲有婆媽，師奶劇元素比較易明，大家都會明《西遊記》的故事，但講到加進前衛與現代元素恐怕比較難明白。沒修過佛學也難以理解，將來要是上到舞台就要注意通俗一點。拍錄像的角度與舞台看是兩回事，錄像比較單一走進角色的世界，舞台視角是立體感。兩者思考方式不一，舞台與粵劇一樣比較抽象，錄像相對實在。在疫症下拍這部作品未嘗不是壞事，假如有口碑，再整理花心思也會有上舞台的一日，還需要精練與整理。

  要提的還有戲中的演員有些不是戲曲演員，能夠加入其中下了一番苦功，演員可謂是八面玲瓏，演而優則唱，又要演又要演奏，實在不容易。再加上劇中打破傳統戲曲對《西遊記》的裝扮，演員的打扮雖是現代但形象鮮明，豬八戒戴上頭盔意味他又要威又要戴頭盔，加上配合他肥頭耷耳。對戲曲表演而言，有新意，不過接受的人是少數，皆因現在戲曲觀眾年紀是個問題，對年輕一代，開明的觀眾倒是一個不錯的體驗。事實上感受到編導都是有心人，都是年輕人想融合藝術表演革新，又想加進劇場元素，問題是香港觀眾對進念，前進進劇團的模式認識又有幾多？戲曲遇上劇場不是新鮮事，過去進念有這些嘗試，要摸索仍然有很長的路。香港藝術節有空間給年輕人做這件事已是了不起，論節目的稀有度，可看性都算是個完整的作品，從戲曲方面要再加強的，香港不是沒空間沒機會做戲曲表演，欠的是接觸觀眾的門，因此免費公映了半個月也是一個開始。不論是否有疫情，香港的表演者都需要這個空間去撞，去試一些東西，同場還看了改編至西西小說的香港歌劇 《兩個女子》，一部粵劇，一部西方粵語歌劇，兩部都有普世價值與價值觀的導入，香港此刻慶幸尚有讓人歇息的空間。

通往粵劇之路（一）：粵劇電影的沒落與北上復興

 自2019下半年的社會事件與2020年至今疫症肆虐，嚴重打擊香港粵劇界從業員的生計。自從發生了很多事情後，香港人開始留意本土文化，本地的藝人，唱片不再是蝕本行業，有能力的歌手買斷第一版唱片再加印、追星文化十年甚或是廿年難得一遇。每天報紙鋪天蓋地都是出現那一兩隊組合，曾幾何時的香港，也曾經有追星文化，追的是「任白」，在去年粵劇研究家岳清先生的分享會就有老戲迷分享當時的情況。筆者對粵劇的認識與年資很淺，2020年影碟商與嘉禾戲院就出版與上映由吳宇森執導的《帝女花》（1976），香港最後一部近代的粵劇電影相信是1977年的《紫釵記》，2021年流行歌手張敬軒與大老倌阮兆輝合作以南音CROSSOVER流行曲。在音樂永續計劃亦有一首電子版的《香夭》，獨立歌手孫曉賢亦有一首同樣的作品。流行組合ERROR有一個惡搞《十八相送》的廣告，歌手陳柏宇最近亦與小武黎耀威（威仔）拍片試試粵劇裝扮，打扮亦帥氣的。粵劇好像離我們不太遠，但偏偏粵劇電影離我們萬丈遠。明明每年歡樂滿東華演粵劇的環節都搭了場景，不就是多搭幾個就成一部電影吧。從「任白」到「龍梅」皆是舞台上與銀幕上雙棲，讓粵劇得以捲起追星熱。仙鳳鳴，雛鳳鳴是超水準的戲班，延續到90年代。雖說任白戲寶必然人人愛，但有些電影拷貝已經遺失與缺損，其中《大紅袍》（1965）就只餘下一個50分鐘的殘本。據一些統計香港總共有五百多部粵劇電影，現在如果找到半數已是福份。

先讓粵劇文藝復興

  五六十年代，去不了戲棚追星尚可去看電影追星。如今老觀眾與想認識粵劇的新一代就偶然去戲院看劇場影像，或去資料館回味一番，最好當然去劇場看大戲。問題是沒了電影這個媒介如何把粵劇推廣開去，如何讓當紅的小生花旦有機會發展。這方面難免是真空的，粵劇名伶蓋鳴暉在TVB當過一些劇集的演員，卻從未有機會拍粵劇電影。近代香港雖有一些與戲曲有關的電影，如《南海十三郎》（1995）、《鳳冠情事》（2003）、紀錄片《乾旦路》（2012）與《戲棚》（2019），《古巴花旦》（2019），但只是粵劇的周邊，也沒唱做唸打四門基本功，名伶與老倌沒一技所用，也沒法留念，粵劇界亦沒有盛極一時的追星潮出現。過去幾年年屆八十的龍劍笙回港做了幾場粵劇，為師父任姐的冥壽作紀念演出。斯人已去，有幸看過刨姐的作品感到三生有幸。當香港人關心本土文化時也想想粵劇電影的沒落的原因，如何擴大觀眾群，如何洗去只得《帝女花》，沉悶、老土、無聊的刻板印象，因為粵劇一旦死了就不會復還，如南音屬於嶺南文化卻走在滅絕的邊緣，過去六十年代香港出現過潮洲話為主的電影與潮劇，也因為新一代潮人不再講家鄉話與市場問題而衰亡。如何保留香港的文化是當今很重要的事情，讓我們免於文化滅絕與增加族群身份的認同。事實上近十年政府興建了高山劇場新翼、戲曲中心與油麻地戲院又協助推廣粵劇新秀算是一件好事，但長期以來如何讓現在的演員跨界別響名聲，且要看後續發展，但無論如何都應該保留。而現在粵劇演出在思維，語言與話題上與現代人接軌，也不再局限在傳統與難明的中文之上。例如在演出加西洋樂與舞蹈元素，亦有意想不到的題材，同性禁戀、基督教與李居明編撰的近代史劇都一一盡有。

蜀道之難，唯有先北上

  現在政府為各業界開拓大灣區市場，香港粵劇界說得難聽也半隻腳在大灣區，比如說當前香港的小生有部份年輕點的都與內地有關係，並不是土生土長。盡可能支持年輕的面孔，培訓本地人才。八十年代至今，香港沒了戲曲電影難以向青年人推廣粵劇，多姿多彩的生活與接觸的媒介遮蓋了粵劇的透明度，事實上香港目前有不少才30歲以上的中青代演員，他們亦需要未來。外界的人認為粵劇界向大陸靠攏也是有原因，是本地資源問題，香港粵劇界與內地亦有合作，同根同源，都不能避免，要保留粵劇血脈要妥協，明哲保身。例如香港伶人羅家英北上橫店拍首部大灣區粵劇電影《白蛇傳》（佛山粵劇團），並預計在2021年上映，同年由國家一級演員粵劇花旦曾小敏（上過春晚演出）主演的《白蛇傳．情》在年中上映，更是第一部以4K全景聲的粵劇電影，賣點在於海內外三地處理特效。據羅家英的訪問所講，這是他從演幾十年第一次拍粵劇電影，昔日懂得拍粵劇電影的人才死的死，都已屆年華老去，老倌也鐵了心講到香港沒法子拍戲，雖然悲觀，但在劇場世界大老倌依然有新的粵劇創新與文本問世，最新的作品《修羅殿》取材至黑澤明電影《羅生門》。香港電影導演兼資深劇場人高志森在報章訪問提到廣東省計劃用二億拍二十部戲曲電影，奈何礙於疫情而無法北上投入。假若高志森可以北上開戲再帶幾個本地演員，拋開政治立場而為文化界做實事，也許是推廣香港粵劇的機會，香港現在的情況無講是政治因素還是軟硬件皆是存有解不了的問題，還是腳踏實地現在要復興香港的戲曲電影是言之尚早，如果想香港粵劇走多步，多麼不想也得要先生存。

  最近看戲曲的單張發現昔日拍德寶電影的冼杞然導演跨界導演粵劇作品，也許是件好事，多一個技能。在香港有能力指導與專門的人始終不多，即使要拍粵劇電影也要劇本與人才優先。而香港的粵劇演員在疫症期間，謝曉瑩、千珊與李秋元亦有創新的拍攝計劃，拍粵劇的網絡劇《重生趙飛燕》並加上遊戲的元素，嘗試以年輕人的方式拍攝。早前八和會館主席汪明荃提意政府協助進大灣區，內地的粵劇團最主要是有黨委的，兩地的模式亦不一樣。香港的粵劇界暫時不缺小生花旦，但配角丑生總是那幾個人來來回回演出，最近全能泰斗尤聲普逝世，香江又少又一寶。梨園界還是有老化的問題，老花旦南鳳因病演出無期。要北上也要看本地伶人有什麼本事勝過當地的伶人，不然也是空談。香港粵劇界還是先安內，在科技年代一定要有創意變革才有資格想未來。

  

普伯，終年89歲

《畢業風暴》．到最後我們都成長為自己討厭的人

 羅馬尼亞電影總是帶點暗沉與壓抑，但往往經歷了革命的電影人都有自己獨特的想法、帶著控訴與批判去看待社會問題。14年代表羅馬尼亞去奧斯卡的《Child’s Pose》獲得柏林影展的金熊獎，此片帶出「我爸是李剛」富二代犯事後企圖通過家人的關係逃之夭夭避過法律制裁的故事。而羅馬尼亞最為人熟悉的是執導《畢業風暴》(Bacalaureat)(香港譯作《畢作虧心事》)的蒙吉，十年前憑《四月三週二日》摘下金棕櫚，十六年在康城再摘下最佳導演。回看羅馬尼亞的歷史與此片帶著一點關係，1989年東歐劇變推翻羅共的統治，以為換取了民主化偏偏國家卻原地踏步。上一代的知識份子原以為過上安穩與有希望的生活，但他們沒有。說這部電影套用到去那個國家亦很合適，一個再怎樣文明有制度的地方總會帶點缺陷，更何況是一個不需要規章的地方。電影裡建構的世界是不公平的，一切皆是上層人士與權威人士掌控的世界，上一代的人感到徬徨、麻木而把自己的希望寄託到下一代人身上，認為外面的世界特別光明。回看香港，雖然地方不一樣但處境卻很相似的，經過時間的洗禮漸漸從希望變成絕望，今時今日香港也有新一重的移民潮，過去建構的社會公義一步步被侵蝕，特別是上層的管理者其身不正。猶幸我們尚有法制，但法律也不是完美的，它是有缺失的。

                        

  父母與子女的榮譽之戰

  在談論這部電影之前，香港現任的財政司司長陳茂波伉儷就捲入了子女學校的誹謗風波，《畢業風暴》談的是女兒伊萊扎的畢業考試之前遭遇了襲擊，父親羅蜜歐一心要把女兒送出國，關鍵是這一場考試，他十分擔心與關心女兒的成績深怕考得不好而托關係希望向有關當局關照女兒及促使她在考試作弊。在香港一個繁榮有制度的社會，作弊一樣是有的，在公開考試過去也為數不少個案，用盡各種方法去作案。至於國際的考試如SAT那種也有代考的。陳茂波與太太在家教會發出電郵指就讀該校的校董盧光漢的子女在考試中作弊兼獲得包庇，案件連審訊與上訴歷時三年多，在原審陳茂波一方被裁定惡意誹謗，後來上訴庭判陳氏得直，又到盧氏一方申請上訴至終審法院被拒，最後原告變被告。在事件一方到底盧氏的孩子有沒有作弊不是重點，重點是成年人的世界其實是很不知所謂的。彼此為了子女捲入這場本應不該發生的官司，這成為有錢人任性爭奪名譽的場所。有這樣的父母，日後孩子如何成長起來？有時不能怪孩子，而是父母的身教不好，小時候我們一直學習做人的道理，但當真正要實踐時就會發現兩難。社會是醜惡的，而所訂立的制度是毀在人的手上。不要讓它成為習慣。

  電影裡的父親也是愛女心切的，但就用錯了方法。一旦產生想法就會衍生更多的問題，從警察朋友的協助下托上托找了些有權勢的人，通過自身的關係為朋友的家人診治、再者從病人的關係套上主管教育的官員，產生一個小集團的群帶關係。他不知道自己開罪了什麼人，為何要報復在女兒身上，他只知道自己走錯了路，但為了女兒的利益已經沒有辦法。從電影的結尾就看到制度的崩壞，女兒有沒有作弊是後話，問題是她有比他人更優勝的手段促使她與其他考生的起跑線已經不一樣。父親深明自己有錯到最後有羞愧之心，亦希望有關方面不要刁難女兒，也許這是電影要帶出兩難的局面，也是他不能抽身的。在生存與生活之間他只有選擇可以滿足到他條件的，人性就是充滿弱點。理性與感性也只是一念之差，父親自己也知道自己成長為連自己也討厭的人。青年人也許有著祟高的理想，但生活裡充滿著妥協與偽善，人不為己，天誅地滅。理想被磨滅了。父親的名譽受損了，而女兒與他是不一樣的人，父親以為自己可以掌控女兒的命運，到最後這道防線還是守起了，女兒的命運始終在自己手上。電影彷彿是兩父女之間的「成人禮」，父親讓過去的自己失望，而女兒得以保留一份初心。雖然未知保持多久，但總叫對得起自己。無論是香港的事例還是電影也帶出中產階級的焦慮，表面多風光實際是封建與家長式管治，亦不多見有多文明。

 以小見大的拍攝手法

  電影的結構是很精妙的，正所謂修身治國平天下，家庭是絕對的核心，奈何這個家庭是渙散，缺乏團結力。父母的關係只是表面的寒暄，為了女兒而假裝一個愉快家庭，實際是等待女兒出國後不再粉飾太平。曾經他們都是知青，如今一個在世途凶險的社會搜刮利益與好處，另一個對眼前的狀況麻木了。兩夫婦沒有共同的理想，價值觀也走得愈來愈遠。從一個家庭延伸至一個社會的問題，父親搞婚外情不太希望對對象的孩子負責任，同時在女兒這件事為她鋪橋搭路，更為此收下利益為他人共事。在一些細節就看到導演的控訴，除了女兒有過多的考試時間外，父親婚外戀的對象有一個孩子，當羅密歐帶他到公園遇到不守法的小孩時，孩子還是天真無邪地想著道理，然而是事與願違的。父親的處事手法反映當中的混亂不堪，他為了找尋襲擊女兒的施襲者可以去恐嚇人、他受賄枉法，但不代表他是一個壞人。只不過社會不存在公平，你不這樣做也會有別的人去做，結果人人也去做。正義是一個哲學的問題，社會的腐敗助長罪惡，錯的東西可以扭曲為對的東西，警察可以濫權、醫生的道德底線也可以被衝破。所有罪的根源都是父親，他背叛了婚姻、背棄了自己的信仰。從個人的崩壞到社會各個階層向上延伸，本身作弊只是一個人之間的事情，但結果是一群人的事情，事件既簡單又複雜。

  神來之筆的是父親一直以為自己很了解女兒，盡辦法照顧家庭的需要，扮演父親的角色。但表面的東西還是被識破，特別是女兒一早知道他有婚外情，後來是連元配也認為父親不需要再偽裝下去，甚至想跟女兒遠走高飛。他不明白女兒的叛逆，這一家人的關係冷漠無比，誰與誰的對話都不是直接查問而是通過第三者才知道，家庭關係疏離。

誰是疑兇？

  至於襲擊這件事，本身也有幾個猜想的方向。而導演自編自導並沒有交代到真相，採用了留白的方式。第一個可能是得罪了附近放狗的人，在戲中父親的車子曾經撞過狗的物體、也有狗吠聲。第二是惡作劇的孩子，也有機會是情人的兒子，年紀輕輕就用石頭碰人。同樣也有可能是女兒的男友，父親拿著疑似的證據質問男友為何不去阻止對女兒的侵犯，也許女兒男友是可能目睹過程的。電影精妙在於有著任何一個可能性，父親試圖去找出但未果。

  更多的是這部電影除了以小見大外，鏡頭的運用窺視父親與女兒兩難的內心獨白與有巧妙的對話，電影是小格局但視野卻廣闊，平凡的家庭、平靜的畫面掀起波瀾，揭示這個家的虛偽、幸福粉碎，而社會、人格正所謂學好三年、學壞三日，人心難測。在現實生活中，即使有仔女養兒一百歲、長憂九十九，這樣的父親也不稱得上是怪獸家長，他也只是愛女兒而已。假如在個人生活上發生如此的事，有這樣的能力為子女爭取，的確會有很多人選擇放棄原則。這不只是羅馬尼亞，不只是中國，甚至在香港都一樣。這種帶有批判社會、教育的電影希望不只在東歐出現，而是在華人社會也應該藉以去改變既有存在已久的問題，將批判與懸疑放在一起有可觀性，點到即止，對於家長是寶貴的一課。

《九龍皇后》--德嫻女傭，融入家中

寫這篇文章本意不是要貶低葉德嫻，她已是影后級人馬，就連在一部剝削女性的作品上也足見她的級數，她的演技不容質疑。而提葉德嫻就不得不提到她與劉德華的相遇，她曾經在訪問中就講到「生仔要生劉德華」，但其實她們年紀只是相差十三歲，沒可能生劉德華的。於是他們就上契了。1985年的《法外情》母子配的組合奠下了葉德嫻的母親形象。在影視圈一旦發展了這種戲路就很容易定型下去，比如差不多年紀的馮素波、鮑起靜也是香港影圈的「媽媽級」。而葉德嫻除了是媽媽級外，也是女傭級。在《桃姐》(2011)裡飾演馬姐，在《九龍皇后》(2000)飾演與女傭無異的二奶，無名無份卻無意中照顧了別人的一家，現實世界中是絕對不會有不貪錢又肯長相廝守、在家中被大婆指點還要煮飯洗衫洗碗，不問付出甚至養起一頭家的女人。霍耀良執導的《九龍皇后》就是一部剝削女人的示範，關海山飾演的家明在旅行中勾搭二奶，接她到香港居住。然而他的角色更多是聽從大婆夏萍的指示，不敢在家中對二奶有過份的親密行為，他們的愛也只停留在紙上談兵，女的不斷付出，男的卻走不出道德的枷鎖，不選擇離開成全這段感情。這段感情最蠢的是沒有人離開，大婆彷彿麻木了，雖然內心是憎恨二奶、將她的名字多番的改變，由燕好改成帶金、帶娣、更稱她為阿四。雖然阿四在這個家多年，但她沒有家人的待遇。當這個家出現問題時她只會被請要求離開，就像個局外人。

  《九龍皇后》稱不上是什麼好電影，但在演員的層面上卻很豐富，蝦叔、夏萍、在電影圈裡常做窩囊廢、渣男的黎耀祥。到底是什麼女人可以接受丈夫有二奶，而這部片裡在這個家裡阿四是二奶，就連繼女愛蓮也是新一代的二奶。電影通過兩代人的二奶路去對立襯托婚姻的價值觀與為人後母的困難。與此同時電影亦通過各種的巧合製造悲情，產生一種在悲情裡撐過來就是堅強的錯覺。彷彿愈慘就愈得到更多的同情，但其實主人翁不需要同情，她是有選擇權的。較討厭電影最後寫上獻給堅強的人，但堅強與迂腐也是只差一線。電影較特別的是出現一幕已故九龍皇帝曾灶財的墨寶與他的登場，電影叫《九龍皇后》某程度上是因為皇后的概念。電影裡的背景是圍繞著基層屋村的生活，香港人對二奶的形象多數是妖魔化的、搶人老公、狐狸精、大多數都是新移民。亦甚少有二奶與大婆共處一室的情況，多數港人的二奶都是在內地的。男人包二奶然後申請女人來港，當女人得到香港居民身份而離開的事例實在平常不過，過往亦有相類似的家庭慘劇。在電影裡這個家庭已經是奇葩，可以將二奶轉化為具有家傭功能又不會怨天怨地，任勞任怨。阿四的存在是卑賤的，但她在香港朋友不多，要是離開這個家更無家可歸，也是兩難局面。在老一輩的眼中這或許是女人要守的「七出之條」，三從四德，但在新一代人眼中這是「戇居」。

  關秀媚演的二奶童年時也曾憎恨過阿四，她害怕媽媽的地位不保。漸漸四姐的存在也成為家裡的勞動力，在電影前半感覺上她並沒有把四姐當成是母親。四姐在家裡不受尊重，不能在飯桌上共同用膳，就好像現代的家傭被僱主限制一樣，展示了不平等的情況。但是當父母都離逝了，四姐成為唯一的「親人」時，她終於也感受到愛。後來發生更多的事情，守在愛蓮身邊的也只有四姐一個。黎耀祥的元配突然間失蹤留下一對子女，她更要學會當人繼母。就像四姐當初被憎恨一樣。關海山在臨終前的遺言講到如果他可以選擇會與元配離婚，而黎耀祥身為這一代的男人對愛蓮的承諾付諸實行，真正選擇離婚。兩段感情縱不完美，但黎耀祥除了在大庭廣眾不敢在元配面前承認愛蓮的位置外，大部份時間也對她不俗，特別是後半段發生的意外患難見真情。雖然電影未拍得盡善盡美，但還是有感性的一面。當然最主要是葉德嫻的演技支撐著整部電影。

  二奶，特別是基層的包二奶是香港電影極少數去描寫的題材。而將二奶寫成正氣就更少有。一般人有多於一個女朋友就已經被批評得體無完膚，有多少女人可以接受二女共侍一夫？這是新舊世界思想的問題，但肯定的是有錢人有多少情人都可以。猶記得在2012年選舉行政長官時參選人唐英年被曝有婚外情、私生子，當時有傳媒就問她太太唐郭妤淺有什麼看法。當然唐太的見識、身份地位絕對與阿四的「三從四德」不一樣，阿四認為她付出、濫好人、人家就會對她好、在婚姻路上更欠缺主導權，連名份也沒有。當時有很多人都叫唐太倒不如跟唐生離婚，一次不忠、百次不用。對於那個世代又出身大家閏秀的唐太說「不要問多少次，要讓他回家。」。浪子回頭金不換。婚姻並不是外人說說就可以破壞到，唐太所做的也不是迂腐，她只是維護家族的名聲與她真心愛著他。離婚不一定解決到所有問題，真正的愛是有包容、付出、忍耐。雖然說感情是人家的事情，可是做女人也要學懂保護自己，在這部電影裡阿四的角色絕對不是學習美德的對象。至於唐太，丈夫落選、終於在重重的醜聞中得到安靜，也許她是最幸福的女人。而不幸的是香港人在過去五年有著一位越權又惡型惡相的第一夫人「龍蝦」。

【異地愛情#2】當哈日頓變絕望時．《東京未婚妻》的身份轉變

    在《東京未婚妻》(2014)前可以留意一下同樣出至艾蜜莉諾彤(Amelie Nothomb)手筆，同樣描寫東西方文化差異的作品《艾蜜莉的日本頭家》(Stupeur et tremblements)，英譯作《Fear and Tremblements》。在2003年法國導演Alain Corneau改編了艾蜜莉的作品拍成了後者，《東京未婚妻》集中談論艾蜜莉在日本的愛情路，與戀人從相識到終結，為了維繫愛情而決心留在東京。電影的後段她正在學習做一個日本人找到一份擔任翻譯的合約工作，每天營營役役與愛人開始疏遠，《東京未婚妻》在描寫工事上只是很輕描淡寫。只是知道她有口難言，畢竟《東京未婚妻》集中談論的是東西方的愛情，要看更多艾蜜莉的遭遇最好還是兩部也看一下，畢竟兩部電影談不上是續集，但總算是姐妹篇。工作是生活的一部份，愛情也是生活的一部份。艾蜜莉因為在日本出生自覺自己是日本人，但終究在這個「祖國」因為語言、種族、她永遠也不是日本人。無論是職場的挫敗還是愛情上的角力，她都感受到做日本人的困難，到底她所愛的是什麼？純粹愛日本的物質、對東方的追祟還是自己小時候就曾在日本生活的記憶？

                         
  在那裡做女人都是辛苦的

    不少人將電影稱為《迷失東京》(Lost in Translation)的翻版，但那是描寫兩個外國人在異地因為寂寞而走在一起，交換一下溫柔的過客故事。他們畢竟是旅客，與艾蜜莉不同的是她的目的是希望成為日本人，想在那裡定居。從一開始她對日本就充滿好奇，並不如《迷失東京》的兩人因故而去到東京。而這樣有異國特色的愛情故事常規就是一個外國男遇到本地的女子，用男性的角度去寫一段感情，或者白人男子配黃種女子的感覺會比較受落。畢竟在約定俗成之下社會是以男性為中心、女子是較為次要的，因此歐美男士配上亞洲女士不是什麼稀有的事情。反之男女角色調轉，亞洲的男士渴望交上歐美女士自然有種征服的感覺，或許是亞洲人的自卑心作祟。東西方在男女的角色定位也有很大的分別，西方人常說男女平等，但在亞洲不只是日本就有階級的觀念。這點在《艾蜜莉的日本頭家》剛開始就已經提到了職場上的階級，誰是誰的上司、面對上司要用什麼的態度。職場就已有分別，更何況是愛情觀。

  可以說艾蜜莉是個單純而天真的人，她一心以為做了那些人生在日本必做的事情就是日本人。在戲中她認為上富士山就是日本人一生中必做的事情，可是現實與她想像卻不一樣。她的心裡幻想出一個日本，但想法上並無法如日本人一樣，例如他們對女性婚後的看法、看待女性的態度。戲中的例子就是男友凜吏的母親認為女性要穿絲襪，但西方人沒有這套觀念要自由奔放、甚至她心裡取笑凜吏母親的藝妓白臉化妝，用刻板的印象去看待別人。

  隨著對日本性別、階級有更多的理解與認知，她漸漸發現在日本做女人很難、很辛苦。而事實上做日本男人更辛苦，要守的規則與期望實在太多。凜吏經常有意無意說「抱歉」，或者很虛偽但在日本文化裡就是需要這樣的教化。從最初與男友相遇到慢慢的了解，他們之間是差了共通點，又可以說他們的關係除了性以外就是互相利用。雖然是男女關係，但一個把比利時籍的女主角當成練法語的對象，另一個就練日語。言語的隔閡隨著日子而漸漸打破，但真正的挑戰是在於磨合。生活習慣、飲食習慣也有差異，成長之中又沒有真正的共通點，女生的莽撞在我們眼中會覺得很有趣，但對於男生來說就引起了別的猜想，在墨守成規的日本人眼中西方女人代表的是勢利與強權，與日本男士的雄性為中心的形象相反。然而，結識一個外國的女朋友除了是獲得征服感外還是在友輩間的宣示，女朋友的得體成為男友人們羨慕的對象，再者是女人的角色猶如是藝妓只負責娛賓，這讓本希望兩性平等的艾蜜莉感到不被尊重。通過關係、通過生活上的融入天真的她吐出一句做日本的女人真難，而事實上一個異鄉人無論去到那裡都要從零開始，並不是單純針對日本的，而是做女人實在太難，這是一種女性的覺悟與成長。

從戀人到未婚妻的幻變

  凜吏與艾蜜莉的相戀始於法語，一個比利時女孩教日本男生外語。久而久之他們的課室從咖啡廳到家裡，他為她介紹東京光怪離奇的地方，愛情不自覺的滋長起來。也許他們當時還年輕，都沒感受到什麼叫真愛，對愛情停留在幻覺與希望在對方身上取暖的層面。愛情來得快，但終究要有下一步，為了愛情女人留在日本，為了愛情男人求婚，但不一定會有好結果。一個轉折的結局，也許可以歸類作後311的類別吧。即使女人想做日本人，但身邊的人包括未婚夫也要求她走，就連鄰居也向她告別。「日本會獨自承擔這次的災難」，「這次的災難與你無關」、從這一點上看到日本人骨子裡排外的性格。從戀人到未婚妻，本來有個美好的將來或者在關係上要承諾什麼，到頭來也是告吹。說到幻變的也不只是關係上，而是後來的追尋與目標兩人已經不再相同，實在不知道再怎樣走下去。結果不了了之。在電影的最初艾蜜莉希望做一個作家，而現實中她也是寫了不只一本著作。多年後真人的凜吏在簽書會與她再相見，對對方的想像與眷戀早已大不如前，也許這種愛情的遺憾留得好吧。

  《東京未婚妻》始終是一部合拍片，難免有自身的公式化，主要的命題在於文化差異，且原著的內容也是著重文化差異的，而且女性角度落墨的畢竟是少數。而電影在表達方式上也不乏歐美電影對性方面的追求，但把性元素放在一部本應是生動有趣、天真活潑的電影上是格格不入。特別是女主角Pauline Etienne本就是一副純情的面孔，有點破壞了形象。打扮上帶點小資女的感覺，沒有半點的修飾，的確為電影增添了幾份姿色。另外，男主角就是暖男的角色，為女主角在背後做了很多東西。而電影在彼此的差異上加了一點的黑色幽默，有時借助女主角的幻想描寫對凜吏的感覺，例如他到底是不是黑社會、又或者是他們日後建立家庭的模樣、節奏鮮明。電影未必是什麼上佳的愛情巨作，但它還是值得一看。特別在現實生活上有不少哈日的人，雖然國籍與身份認同是很私人的事情，但通過女主角的經歷得出的結論是不可以把自己變成是什麼人。女主角愈想做日本人就感覺到被背棄，還是腳踏實地做回一個人。一段愛情故事有如曇花一現，青春稍瞬即逝，多年後他結婚了、發福了，娶了個法國女人。到底男人愛的究竟是祟尚法語的高尚自傲的感覺還是真正愛那個女的？我們都不知道答案，至少不在乎天長地久，但在乎曾經擁有？

【異地愛情 #1】《緣來說再見》:柏拉圖的愛不能愛

一直認為香港除了自身的港產片外還需要加強與海外的合拍與增加英語電影的拍攝，總不能夠只死守一條路。數年前拉脫維亞與香港合拍了一部叫《Amaya》(2010)的電影，一個歐洲的老外來到香港介入了一段類似「迷失東京」的感情，老外的出現喚醒了戲中香港人的身份認同，三段的人物與愛情帶出了原來香港可以這樣不一樣。再深刻的是這部合拍片成為拉脫維亞角逐奧斯卡最佳外語片的代表。誠然，海外的合拍片畢竟是小眾中的小眾，而事實上香港有很多人並不知道原來香港是有英語合拍片的，過去只把焦點放在中國的身上。說實話，香港有很多優點連香港人自己也不知道，還需要外國人告訴我們呢。

                          
  言歸正傳，《緣來說再見》(Already Tomorrow In Hong Kong)最初只是飛機上觀看，終於在大銀幕有限度地放映了幾場。電影在14年拍攝，由韓裔美籍女演員Jamie Chung與未婚夫Bryan Greenberg主演，導演是美籍台灣人Emily Ting自編自導。如果喜歡《情約半天》、《日落巴黎》與《情約半生》，整個《Before》系列的話，又或者喜歡韓國獨立導演洪尚秀那種邊行邊說邊演的模式的話，絕對不會討厭這部電影。一次的公幹，Ruby在街角遇上了Josh，開始了他們的第一夜。而電影為何最初只在飛機上選播，理由很明顯就是為了宣傳香港的旅遊業，而片中就彷如一部遊客指南，男女主角去了廟街吃海鮮、坐香港的雙層巴士、天星小輪、去蘭桂坊、重慶大廈、香港的SOHO，看看維港，不就是遊客眼中的香港？作為香港人看到是多麼的親切，在某些角度還是以遊客的視角去拍攝，但可以收到宣傳旅遊之效其實沒有大不了，而在電影裡也可以看到居港外國人的日常生活是怎樣。對於「外族」的港人，香港主流電影的視角還是有意無意的忽略了他們的存在，而這部電影的定位是比較的中產與知性的，最主要的受眾是對香港有興趣的遊客與英語人士。

  近年港男都愛抱怨港女愛「洋腸」，而飾演香港人的女主角心裡面認為香港某程度上是低俗的，比如她抱怨香港的粟米片與墨西哥捲餅不夠正宗。從洛杉磯來的女主角一直在碎碎唸，雖然她外表是亞裔但三代人長時間在美國生活已經融入當地，香港除了一個工作機會外，對她沒有什麼特別。而她的心裡面只有美國主義。而男主角Josh居港十年，適應了香港的生活，慢慢告訴女主角這裡的差異，好讓她開始喜歡這裡。電影是講文化差異與觀念的，通過兩個人的對話帶出東西方、男女思維的各分別。雖然他們的交談的內容都是家常閒事與私人生活，但看著看著就會感到他們的價值觀的分別。電影的時空只有兩天的經歷。第一天理所當然男主角結識女主角，第二天就是重逢。

  究竟男與女之間有沒有純友誼？《緣來說再見》裡的兩位對驚動了愛情，男的主動勾搭女生，不自覺地令她產生誤會，感情本就是「姣婆遇著脂粉客」的遊戲，就這樣撻的一聲通電。兩個陌生人通過了解慢慢放下隔膜。比較奇怪的是一相識就已經對對方誠實，不怕對方是壞人麼？通過試探放下猜疑，但第一次見面就相約喝酒了，然後就試探有沒有下文？或許男與女之間只要單獨在一起，就必然是直接或間接承認「情人」的關係，但他們更希望是有下一步。在真實世界裡各有情人的情況下，他們又不好意思開宗明義說自己有情人，但面對眼前的關係互相投懷送抱兼互有感情缺失，自然把對方當成是避風港，不忌諱地玩起曖昧來。曖昧的確是甜蜜一瞬間，但無論如何也要回到現實。然而，現實是令人失望的，幻想破滅。男子有女朋友的真相令到眼前的女士不知所措，心裡面竟然會傻到為一個剛認識不久的男子感到失望，她大概是呷醋。一個相貌娟好、稍為有學識的女士，一下子成為宇宙間的大傻瓜。「把妹」容易，但要維持卻很難。這下子Ruby的內心當然是七上八下了。奉勸一下女孩子不要太容易相信人。

  此外，在電影裡對洋男的描述就是很正常在中環上班的金融界人士，在香港的確有這樣的一群人，洋人有自身的圈子與酒吧文化，而男主角就是很多人心中的白馬王子。但他偏偏追求做一個作家，而慶幸這段「新感情」賦予他找到新的工作的意義，開展不一樣的人生。正因為這份新工作令正印感到不耐煩，但卻得到了Ruby認同與鼓勵。在某些點上他們兩人很不一樣，但在追求浪漫主義、自由方面也可能較貼近。而影片也隱約提到Josh的正印女友Sam的價值觀，就是典型追取型的中國女生，家裡不容許女兒跟洋人拍拖。在開放與隱閉中，延伸到他們的共通點，大家都是美國人比較容易溝通，而大家都是看《宋飛正傳》的。他們就好像在彼此間在異邦找到同一的東西，而這些不同之中的相同卻連繫著他們。另一個角度是這部電影並不單單是愛情至上，而是帶出文化上的衝擊。

  回到愛情，這對男女做的事看似很正常，不就是交談、喝東西、吃東西，談談自己的工作與理想、抱怨一下男女朋友的不理解。在第二次見面，即是重逢之日他們即使有了第一次的不快，但仍然很享受第二次的「偷情」，即使女方有點欲拒還迎，但根據吸引力法則，他們總是情不自禁在交談、即使有戒心但又很快放下了。雖然他們很努力壓抑自己的情慾，沒有做出越軌的事，但說到尾他們是很享受出軌上的快感。Already Tomorrow，不只是單純美國與香港隔著大半個地球的差別，還有的是對於愛情的態度。錯的時間，對的人。這個世界真的有柏拉圖式的愛情嗎？而男女主角的愛情看似是很純潔，但背後都是欺騙著另一半，嘗試去告訴自己是對的。一個開放性的結局帶出了理智與情感上的取捨，把主導權交到在觀眾身上。精神上的出軌與肉體上的出軌有不同嗎？那一項比較高尚？現代男女的愛情世界有太多幻想，自製假想敵，男男女女如是。女主角最後也學會男主角的一擊以其人之道還治其人之身。快樂的時光過得特別快，但同樣勾搭的經歷有一次，自然有第二次，只要一句不快樂就有無數為自己找藉口的機會，根本男女主角都不是「好人」。在陌生人的緣份遊戲中有多少人可以像《Before》系列的男女主角一次見面、兩次重逢、三次結婚還差點分，終於不是一時的貪玩而收成正果？

  《緣來說再見》同樣的劇本慶幸不是落在香港人身上拍攝，如果它是一部港資的電影，這種看似是純潔但又有點不道德的情節會徹底化成不道德的故事。或許會變成男女主角一相識就會去時鐘酒店尋找快感的故事。一座城，兩個洋鬼子的愛情故事兜兜轉轉，而現實中成就了一段夫妻關係。在電影與現實的虛實中，原來這才是一份真正的未了緣。

《千里伴我尋》:母親的罪．愛

英國小品《千里伴我尋》(Philomena)是一部滲透著回憶、歷史、親情與溫情的電影。這部作品的妙處出於在處理罪與罰、過去與現在、正義與邪惡身上。看這部電影不是要質疑誰是誰非，而是透過尋親塑造過去一段無知且不光彩的歷史。《千里伴我尋》的精彩之處在於在劇情的推動與觀感上，也沒有呈現一種輸打嬴要，爭取公義的手法。而是用上了軟性、人性化的角度帶出寬恕、帶出信仰上的愛，同時也帶出了陌生人之間的同理心與互助精神。 

　　 
　　 真人真事的電影並不容易拍攝，一不小心就會寫得煽情、定位不正確就會站錯邊。比較妥善的方法是帶出問題，把接下來一系列誰是誰非、道德判決的問題帶到觀眾身上。過去曾經有不少「尋親」、「尋秘密」的類型片，加拿大的《母親的告白》(Incendies)就是一部從子女的角度出發，找尋母親的身份，做到追本溯源，奈何電影帶有黑色的色彩，相當的壓抑，看完電影後也承載了包袱。相對《千里伴我找尋》來說雖不至於陽光，但在面對過去與現在時，主人公都能夠有一顆從容的心，當真相揭開之時讓人感到溫暖與欣慰。 
　　 
　　 當五十年前，女權主義未完全興起時，有些地方埋藏著一些不光彩的事情。而這件描寫的事情通過BBC記者的Martin的手裡記錄下來，然後就有了這部改編而成的電影。女主人公Philomena曾經是一位年輕貌美的女子，因著一個「錯誤」與陌生男子發生一夜情而誕下嬰兒。在當時的社會對墮胎存有禁忌，且女主角一家是信天主教的。在現代教義來說，有一些規條是很荒謬的、包括是不准用避孕套，不准婚前性行為。在當時Philomena只好遵循家裡的訓示，走進修道院「贖罪」。結果，修道院的經營背後收藏著驚天的交易，自此與兒子相隔多年。 
　　 
　　 事情過去了五十年，尋人有如大海撈針，但仍一試。誰知道真相竟然在起點，走過半個地球，方才發現最愛的在身旁。通過電影的對立與矛盾，呈現了宗教世界那種唯我獨尊的一面。雖然電影不志在批評任何宗教，但我們可以看到他們的辦事背離教義，講一套做一套。第二是，記者的道德問題，傳媒在報導上會否有越界、影響到當事人的行為。當記者的為了追尋新聞真相，會否違背初衷，反成為了傷害者。在電影裡，我們看到的世界是有很多未解決的問題，但不同崗位的人最終只要透過關心與愛也會成為朋友。一切的問題，彷彿也不重要。 

真人版與電影版的Philomena

　　 從多方面去看《千里伴我尋》會發現到一些普世的問題，比如說是同性戀、愛滋病與政治，還有的少不了是媒體與信仰，各種議題共冶一爐。雖沒有特別的特究，但大致把當代世界裡被邊緣化的事物呈現出來，有一種反傳統、反常規的感覺。當下覺悟，得知一直尋找的兒子原來是同性戀者，那一刻女主人公的反應異常平靜，在觸碰想像與現實的空間裡看到人的多元性與包容性。 
　　 
　　 即使天主教裡不容許女性發生不道德的性行為，但女主角卻視這次性興奮為人生的驕傲。與所謂的道德價值完全是相反，在處理宗教信仰上女主角比起修女們更為厚道，更懂信仰的意義，起碼她是經過了深思熟慮、在待人接物方面較為親和。相對電影裡的修女從頭到尾給人的感覺是自私、偏激，與女主角的仁慈相比實在無法比。至於記者的角色，在電影裡就是事件的第三者，用局外人的目光試圖了解這件事，他的角色反映了觀眾的觀感，面對此等荒謬的事情，採取不原諒的態度，有種替感到氣憤的觀眾出氣的意思。 
　　 
　　 電影提出了很多問題，但沒有每個解釋，相反是它將這些帶到觀眾身上。把問題加以的融合，就像是一個球一樣的把問題包裹著。不代表不關心，只是世上有很多東西解決不了，再加上不能夠在短時間改變他人的價值觀。電影可以做的並不是說教，並不是旨意灌輸大愛的價值，而是要做到人與人之間的互相尊重，達至和而不同的環境。《千里伴我尋》最大的意義是在於坦誠面對自己，做一個誠實的人，本著自己的信念做人就是了。那管它什麼罪與不罪，那根本是人訂出來的。聖經裡記載「不可論斷人」，其實很多時候都不過是當局者迷的把戲。 
　　 
　　文/Dorothy

【奧斯卡最佳紀錄片提名】《Cutie and the Boxer》(小可愛與拳擊手):貧賤夫妻百事ROAR

  《Cutie and the Boxer》是一部有生命力的紀錄片，導演Zachary Heinzerling在拍攝這部片時只是個二十四歲的年輕人，在聖丹斯憑著第一部長片獲得紀錄片的導演獎，而這部中譯名為《小可愛與牶擊手》的紀錄片同樣入選了奧斯卡最佳紀錄片的十五強之中。小可愛與拳擊手是一對共處接近四十年的夫妻，他們兩個都是旅美的日本藝術家，做藝術的人貧賤，但他們從彼此身上學習，從藝術之中提煉夫妻之道，生活雖然困苦，但他們依然做著自己的藝術。

                         
　　 
　　 這一對的夫婦是篠原有司男(Ushio Shinohara)與他的妻子Noriko(紀子)，他們的相遇是在紐約開始，紀子在初次見面時是個十九歲的藝術系學生，時值上世紀的六十年代。當時有司男已經是個四十歲的大叔，但愛又何需分年紀。當時有司男已經在美國薄有名氣，但有名氣不等於會發達。且看他們所居住的地方十分擠迫，還要為生活費張羅。藝術家面對生活也要向現實低頭，一遇到困境就要賤賣自己的作品，或許有些畫廊與博物館的買家都想擁有篠原的作品，但奈何又會因著某些原因而讓交易夢碎。篠原這一家雖然是有名氣，但都只限於媒體的報導，實際又有多少人想要他的作品，這是兩碼子的事情。 
　　 
　　 人窮，志不窮。有美相伴最好。紀子給人的印象是很小甜甜的，兩條辮子，打扮得嬌俏。而她也是一位藝術家，她創作的是圍繞著她與丈夫的一系列連環圖，在漫畫中她稱自己作CUTIE，丈夫為BULLIE。在作品裡的小可愛的原型就是從生活裡取材，在漫畫裡她會畫出丈夫醉薰薰的樣子，但其實這種既是生活，同樣也是愛。在年輕時期，維持這一段愛情也付出了不少代價，先是父母的一關，其後是對兒子的內疚。藝術創作讓家庭關係也有一點的破碎，兒子從小看著父母都是酒鬼，長大後也沉默寡言，同樣也酗酒了。也不知是不是有其父母，必有其子，兒子Alexander也成為了藝術家，畫得一手好畫。 
　　 
　　 至於Boxer，顧名思義就是有司男本人。他的創作風格就是雕塑與以拳頭作畫，把顏料沾在拳擊手套上，拳拳到力，在墻上打出自己的節奏。不消幾分鐘就完成一幅作品，藝術就是這樣的。看似很簡單的事情，背後都有它的道理。篠原的創作成為了一時佳話，一個年過八十歲的老人家以此為樂，在自己的工作室裡打出自己的世界。藝術對這一家人來說到底是天堂還是魔鬼？有司男在紀錄片中說藝術是魔鬼，他們錯失了兒子的童年，生活依然困苦，感情更是沒有承諾，但有背後女人默默的付出。曾幾何時，紀子以為她是丈夫的助手，但她發現到自己也只是活在丈夫的影子下。一對戀人會互相影響，至少對於紀子來說，有司男是她的老師、她的靈魂伴侶。 
                         
　　 
　　 藝術工作，不只是單純的工作。而是走向世界的，他們專注、他們飽足又已經足夠。能夠做自己喜歡的事情是很幸福的，或許與一個人相處、要磨合是困難的，但至少老來還會為對方擔憂，好一對老夫老妻。在影片末端，看到他們兩夫妻互相的用顏料對打，這一場注定是夫妻之戰，不只是生活的，也是藝術的戰爭。各式各樣的顏料塗抹到他們的身上，語帶雙關，生活有聲有色。柔化掉的鏡頭，再加上這對老頑童，對對方既愛且恨，這就是生活，生活既是戰鬥又是會令人快樂的。 
　　 
　　 這部紀錄片的魅力在於導演在一旁的觀察著這一對的老人，紀錄片拍得瑣碎、生活化，讓我們看到他們的生活點滴，從側面帶我們看藝術工作者的方方面面，包括工作、家庭、過去的片段。對男人來說，他愛的是工作，愛的是創作，女人來說，愛的是家庭，但同時她也愛自己的丈夫，即使他有多麼的不濟仍然是支持他。從中她也堅持自己的創作，當中也包含著對先生的愛。在他們一個共同參展的展覽Love is Roar中，我們看到愛不過如此，會向對方咆哮。有衝擊，才有進步。而在這一對夫妻當中，我們更要學會名與利真是不是什麼一回事，幸福有美相伴，有兒子，低低調調地創作，其實就足矣。外人看他們貧賤，他們心裡其實很富足。致敬。

【懷念梅姐】《男歌女唱》:咪霸是這樣煉成的

《男歌女唱》已經是梅艷芳生前較後期的作品，2001年共有四部梅姐的作品上映，分別是杜琪峰配韋家輝的《鍾無艷》、劉偉強的《愛君如夢》、張之亮的《慌心假期》，餘下的就是相對為二線導演鄒凱光的《男歌女唱》。在四部電影裡，梅姐各有不同的形象，《鍾無艷》反串為多情暴君、《愛君如夢》的斯文、《慌心假期》的女強人、都市女性的角色，而在《男歌女唱》當中她是一個小女人，度縮、計較、小師奶。而較特別的在於，《男歌女唱》在其他主演的配搭上沒有大明星助陣，有的是綠葉、市井的演員。一直以來，這部低成本電影是被忽略的，的確藝術成就不高，但至少從開始笑到最後，把梅艷芳的喜感釋放出來，她願意被醜化、被奚落，演活了一個由害羞女變成咪霸的勵志故事。

             

卡啦OK從八十年代引入，時至今時今日依然是平民的消遣活動，也許今日的吸引力隨著智能產品的出現而少了，但仍然是流行的。至少在2001年仍然是一個大眾的娛樂節目，《男歌女唱》的故事從K房開始，梅姐的故事與人生從荔園開始，一個是歌女、一個是咪霸，唱歌是她的生命。戲裡除了梅姐外，還有黃子華，一直以來黃子華不算是一個主流的藝人，他遊走在市井與猥瑣的角色之中，他沒有明星的架子，有的是與民同聲同氣的口吻。來至天水圍西岸的King Wong寄居在K房內，生命就只有唱K，唱得好不好，並不重要。至少他為自己驕傲，他熱愛唱歌，而他同時也深得公司內外的人歡迎。而梅姐演的朱維德在人事上真是「唔多得」，公司裡的人無視她的存在，是為透明人。與子華演的King Wong形成了對比。

這兩個人因參加了歌唱比賽而正式結緣，並且發生了一連串的事情，當然也萌生了愛情。唱歌、愛情再加上搞怪，使這部《男歌女唱》變得特別與純粹。在戲裡看到一個女人的變化，因為愛情而產生了歌唱的熱誠，可以面對大眾，而不用孤芳自賞。因為一個男人的支持與改造，讓她走出了一些陰影。電影談的是不要逃避現實，而要勇敢面對自己的不足，使自己變得完滿。

                        
子華在戲中帶動著梅姐，兩者產生出火花，有一種笑是很俗的。想不到在十多年後的今日香港電影的主流喜劇竟然要用「性」與「粗口」引人發笑，而在《男歌女唱》之中，見到的是一腔的熱誠，大概是中年人的再發現與增值吧，而片中的子華雖然係一貫的猥瑣、不修邊幅，但其實他不是一個壞人，他幫助朱維德，發現到她的另一面，打開了寂寞的芳心。子華就像是一個大細路，不跟蹤別人的步伐，創造自己的風格。在香港的喜劇來說，《男歌女唱》的確是一部令人回心微笑的作品，因為它的俗，但同時也散發著簡單的愛。

《男歌女唱》還有一點值得注意的是，這部電影是明顯的低成本與隨心而拍，也即是所謂的HEA，一些笑點上沒有特別的考究，而讓演員本身自我發揮，點到即止。隨意、雖則是粗製濫造，但有時候電影不需要有什麼的雕琢，有時不完美更勝所謂的完美。還有的是這部電影算得上是梅姐電影生涯中一個也比較特別的角色，皆因在她多數的電影都少有與男伴在一起，無論是《緣份》、《金枝玉葉2》、《愛君如夢》都未有收成正果。而這部有個完滿的結局也算是稀有之作。之所以是梅姐的經典作，也就是翻唱了陳百強的《等》，別有一番滋味。

獨立瘋．獨立風(一)

在香港，無論是大眾的主流電影還是文藝青年們支持的獨立電影，都有粉絲的支持。最近，《愛鬥大》七條之一的何冠寰因上載了一段所謂的電影宣傳片而被警方協助調查，更需要回到警署報到，何謂是玩大了。他那部涉事兼自資十萬發行的《生前必做七件事》如無意外，見財化水。而有網民聲言要阻擋電影的上映，杯葛此人。這可真是連機會也沒有，人格與名聲一鋪清袋，事業也有可能畫上句號。發行，很可能是空話。何冠寰稱自己是做獨立電影，不妨也談一下近幾年比較有質素而又有口碑的幾部獨立的劇情電影。

1.《不設房》 蔡敬文導演 (2011年)
                        

這部電影也許是香港電影史上最成本低廉之作，也是一部可以進入主流電影院上映的獨立電影。兩萬元，也許連一部質素較好的單反也買不到，但他可以拍一部低成本電影，而且充滿奇情、色情、市井的元素。更帶出了一種中港之間的矛盾，透過嫖客與妓女的身份，帶出香港的定位，當然看出了什麼就由觀眾自行定論。除了是中港之外，有的是青年的另一面，是什麼令到青年人不願行？此外，這部電影都講到了過往香港所發行的事，從董伯伯到八萬五，再到一代巨星的離世，市井的人物住在劏房，靠綜援為生都是一種香港人的寫照。「香港精神」除了是《獅子山下》外，還有這樣的一種頹之解讀。

2.《哭喪女》 許雅舒導演 (2013年)


許雅舒都算是個活躍的獨立電影女導演，她多數的作品都是由影意志發行的，包括《慢性中毒》，《哭喪女》表面上是個與鬼魂有關的影片，但它當中其實是有政治的隱喻，當然它不是開宗明義告訴你應該怎樣怎樣。而是應該細味的，無論是黃衍仁那首《再會吧．香港》，抑或是戲裡的一句「羅酆山是地獄，地獄是現世。」都有種哀鳴在裡面，這種的方式也許是作者對香港的悼念。車公靈籤都有講「人鬼如何兩不分」，是人是鬼，值得商榷。

3.《不能愛》 梁碧芝導演 (2012年)                      
《不能愛》是一部很特別的電影，在香港亞州電影節之後，該片有機會以特別放映的形式在電影中心與香港國際電影節中放映，其後更在MCL院線有特別的場次。無可否認的是，對這部片極度花心，原因很簡單，因為由頭笑到落尾。它不沉重，有些對白也很賤，俊男美女，十分養眼，音樂部份出色。戲中戲的元素很過癮，喜歡並不因為是不是同性戀的議題，喜歡就是喜歡。很有活力的一部，導演講到要發掘愛的可能性，也有相當的可能。都市男女的話題，愛一個人，不應限於一種性別。有趣。

延伸閱讀:《不能愛》:直的攣不了．攣的直不了

4.《大藍湖》 曾翠珊導演 (2011年)                 

要講到與香港的地理地貌，鄉土情有關的除了賴恩慈的《1+1》與《N+N》之外(小記未看過賴小姐的作品，難以評價)，就想到這部《大藍湖》，首先它是一部本土的電影。其次是它糅合了導演的童年回憶，都市女性的情懷，三是它有紀錄片與劇情片的融合。四是它是一部難得的得獎作品。特別是近年香港政府盲目要開發新界地區，要留下這種獨特的歷史、田園氣息是必要的。當然，故事是有不完善的地方，但個人認為具有可看性，皆因這類題材並不多，更應支持。再者，它也是一部有商業的電影發行公司肯發行的作品，這間公司獨具慧眼，要讚一讚的。

延伸閱讀:請到從《大藍湖》看香港獨立電影的苦與樂

四重唱、四重奏與合唱團

回顧過去兩個月，有兩部電影從性質、演員都很容易讓人弄錯。五月份下旬上映了一部叫做《黃金花四重唱》(Quartet)，導演叫做Dustin Hoffman，而在六月下旬上映的另一部電影《黃昏四重奏》(The Late Quartet)裡又有一位叫做荷夫曼的演員，四重唱與四重奏難免會殺人一個措手不及。而且排片方面也比較密，英文名字也相類似，同屬是音樂的題材。抵死的壹週刊就在雜誌上寫了一個不看《黃昏四重奏》的理由，就是已看過四重唱就不用看四重奏了。這本雜誌的評語還真倒米的。

這兩部電影的性質雖然相類似，內容都是圍繞著一班已達花甲之年的老人，前者《黃金花四重唱》發生在一間老人院裡，已在暮色之年的長者在院裡堅持自己的夢，唱唱歌，玩玩音樂，話當年。從前的他們都對著鎂光燈，有著一段又一段的「光輝歲月」。如今，有些老來只有孤單一人，在院裡相互的照顧。年屆七十多歲的Dustin Hoffman是此片的導演，也是他的第一部作品。而這部作品包含的是一份世故，曾經滄海的男人把怨恨留在心中多年，如今他懂得放下。「人生有幾多個十年」是他們這些老人的寫照，同時這是一個關於朋友、愛情的小品，溫情洋溢。


而後者《黃昏四重奏》是一個離開的故事，四重奏樂團在準備新一季的表演時，大提琴手PETER發現自己患上帕金遜症，而隊裡的成員關係突然變得七角咁亂，面對愛情、友情與眼前的利益，到底他們能否走下去？這隊組合又能否完成他們的表演？

留一個伏線，的確這兩部電影的性質與內容都有類似的，但喜歡音樂的人都可以留意一下兩部電影的叙事手法，了解一下它們好與不好的一面。而不是像雜誌一樣叫人唔好去睇，這一點都不好笑，也不好玩，手法也低賤的。

如果要筆者選取那一部較好，故事脈絡較說得通的，《黃金花四重唱》顯得較完善一點。該有的元素，對人生的唏噓都能夠樂觀一點去看，人生的舞台依然猶在。看東西也較為宏觀，戲劇效果沒那麼的多此一舉。始終導演的人生歷練與參演的作品也有很多，這就是經驗。而戲中的演員，即使是亳不顯眼的都曾經是音樂人，他們參演其中。為故事增添了不少的真實感，又彈又唱，相當豐富。始終是音樂導向的，這些老年人依然是大放光茫。

然而，《黃昏四重奏》則把重心放在PETER患上帕金遜症之後樂團發生的狀況，內容包括是團員之間的爭吵，把過去回憶與現在牽扯在一起，還有的是母女之間的爭執與妒忌。重心偏重在家庭身上，而結尾也完結得有點的突兀。整套電影是比較冷漠的，音樂不是電影的重心，看起來像有點借助音樂「過橋」，而且電影中有些情節像是多餘的，彷彿為了講故事而加鹽加醋。筆者雖然都不太懂歌劇與古典樂，但依然是感覺到當中的熱誠與愛，這些的朋友互相的支持，這兩部電影都有個共通點就是即使朋友間有誤會，但他們最終都會為了音樂夢想而和解，用音樂來說話，四位都是最佳拍擋，少了一個人就會很失色。



或者這類的電影都在香港算是小眾，因此只得少數的戲院上映，也較為可惜的。而筆者最近也看了一部與《黃金花四重唱》一樣是來至英國的小品作《Song for Marion》，故事講述Marion是一個瀕死的人，她最愛就是參加合唱團，她所在的合唱團要參與一個比賽，未幾她的生命就將結束，她用自己的力氣唱給自己與家人欣賞。在她死後，家裡變得寧靜，家人也變得頹廢了。而她的丈夫一直反對太太唱歌，而為了死去的太太，他也成為了其中的一份子。或者這就是電影裡面有的人文關懷，再者就是與我們每個人都會有相似的地方。家庭與倫理都是電影的基調，容易觸及觀眾的情感。與前兩者不同的是這部電影的歌曲比較通俗與流行，但都是圍繞著一群老年人的音樂夢與興趣。雖然沒有前兩者的高雅，但流行音樂也有入屋的道理。

這三部電影都沒有什麼的大道理，但都有感動人心的一面，喜歡音樂電影的觀眾，如非必須不要錯過。

重現《如果．愛》的情懷—續談《中國合伙人》的音樂搭配

上一篇文章談到蘇芮與崔健的音樂如何令人勾起一個時代，這一篇就來一個終結，續談一下《中國合伙人》其餘的音樂。的確看《中國合伙人》會有一種《如果．愛》的情結，特別是當齊秦的《外面的世界》響起，立馬就想起《如果．愛》中的周迅與金城武在雪地中擁抱。在很久很久以前，彼此的擁有對方，想著外面的世界很精彩，結果很無奈，苦思無果的愛情，存有一份叫做「思念」的東西，在回憶和年華老去與現實之間的掙扎與一份淡然。《中國合伙人》的定位就是在八十年代，回到過去，審視現在。《如果．愛》中兩位主角日後的重遇與《中國合伙人》中成東青與蘇梅的重遇都是同出一徹的，讓對方看到了今日的成就，當日的出走猶如得到了人生經驗，沒有這次的經驗，就沒法走下去。又如王陽與美國妞的愛，互相的吸收，增加歷練。

與出走相關的還有戲中唯一用到的一首英文歌《Leaving on the jet plane》，陳可辛講到PETER,PAUL AND MARY對他的重要性，他一生中曾看過三次他們的演出。但主唱的是JOHN DENVER，這首歌的確是傳世的經典，或者這首歌的版權接近天價，在購買時遇到困難，因此找來了岑寧兒的版本，想不到的是錦上添花，也突顯了這首歌的憂愁。在機場裡，愛人要離開，遠方的她會回來嗎？When she comes back，will she wearing my wedding ring？《中國合伙人》注定是一部有犧牲同時有努力與價值的電影，這首歌的演繹用不到原版也不是損失，岑寧兒唱得不錯。



早前6月8日是家駒的生忌，BEYOND的歌聲不論是對於一代的香港人還是中國人都十分重要，當主人公的「青春」死去，他們在K房裡唱著《海闊天空》，「原諒我這一生 不羈放縱 愛自由」，這是一種很灑脫的情懷，他們要成老男孩了。台灣把《中國合伙人》的放映直接叫《海闊天空》，刪去了「中國」的爭論，這是一個關口，對他們，對我們都一樣。在遊行裡經常都會唱到這首歌，它代表的是一種不死的精神，愛自由的精神。用到他們的歌，不感意外，因他們就是一個時代。

在這一個年代，上一篇講到出現了不少的「校園民歌」，要講到台灣的代表一定要提到羅大佑，他有多首膾炙人口的歌曲，如《童年》、《家》、《野百合也有春天》至今仍然相當的出名，在片尾三位主角黃曉明、鄧超與佟大為唱著《光蔭的故事》，「流水它帶走光蔭的故事 改變了三個人」，如果說這是一部宣傳新東方的電影，或者就是改變了他們，中國多年的發展成就了不少有意氣的人，僥倖的人，中國夢對於習近平來說是各族人民活得和諧，主張民族的發展。美國夢在中國，似乎沒法改變中國人的習性，他們追求的是利益，追求讓人看得見，但忽略人權與自由的價值。這部電影無論是歌曲上還是電影本身上都流露著一份滄桑，或者音樂優化了電影的價值，是音樂帶觀眾到那一個時代。羅大佑的歌，三位的演繹，成長的大男孩，新中國的青年，沒有光蔭的教訓，沒有新造的人，成長，你我都一樣，不分時代。

《玫瑰的故事》:昨日那份美．今天會記得住

寫文之前，必須要感謝楊凡導演無償舉行放映會招待一群他的朋友，還有像筆者這般的凡夫俗子，而這次在他在半年裡頭第二次搞的放映會，兩次均是播放電影的修復版，四月那次播的是《意亂情迷》，筆者沒有出席。而這次播的是由周潤發與張曼玉主演的《玫瑰的故事》，楊凡講到這部電影是1985年拍攝的，至今已有28年的歷史，在2000年他曾經夥拍蔡少芬與謝君豪為電影重新配音，當時的菲林已經有一定程度上的損毀。猶幸科技的一日千里，今日看到的數碼化的修復版本，聲畫都修復得不錯，聲音更是主角們的原聲，實在是太有味兒了。 

                   
　　 
　　 導演在會後分享了幾句話，他稱拍攝這部電影的時候相當的年輕，故事看起來是有瑕疵。但為何要選這部片，他就說今日這兩位演員至今有國際地位，而這部電影發掘了這兩位的國際巨星，使人們對他們注目，具有深厚的意義。雖然電影的結構與情節的確有未夠完善的地方，但兩位主角的表現實在很出色。那份情，那份美，不禁令人泛出一絲的嘆息。主要是來至今日的香港再看不到有氣質，美麗又有性格的女演員。即使張曼玉到了中年，從她身上散發的是一種知性、優雅的美，而今日的香港女演員大多數散發著一種「港女」的味道，不就是靠胸部取勝，二就是裝出可愛的樣子，取悅男生。作為一個年青的影迷，難免會有一種「舊時光」的眷戀，昔日的女星如鍾楚紅、邱淑貞即使是性感也會有一種美，但今日電影裡的女星是「放蕩」多於大體。 
　　 
　　 《玫瑰的故事》雖然有段床戲，但看的不是性感，不是看身材(當然張曼玉的身材的確很好，周潤發做了一件令男男女女都羨慕的事)，看的是一男一女之間的相愛，愛就是要與你在一起。戲中的發哥一人分飾兩角，前半部做的是玫瑰(張曼玉飾)的哥哥，後半部做的是家明。家明與玫瑰，是粵語片的延續，看似很老土，但這兩個名字緊扣在一起。年輕時的玫瑰調皮得很，視戀愛如命根。張曼玉的演出可謂是多變的，帶點BABY FAT的她「少女懷春」，充滿活力。她很可愛，花痴，很叫人愛惜。而發哥則有如大哥哥的照料著她，疼愛她，這種情是兄妹情又好，是愛情也好，這兩個人簡直就是天下無雙。 
　　      
　　 以前的香港電影小品也會出國拍攝，這一部去的就是巴黎，梧桐樹下特別有一種異國的情懷。巴黎是擁有魔力的地方，抑鬱過抑鬱，或者是快樂過快樂。愛情是來至剎那的雙目交投還是追求安穩，這個迷思就交給觀眾自行思量。楊凡的電影一直都有種「越界」的感覺，情慾、同志、都是關於「情」的。反而令人想的是到底玫瑰愛的是哥哥的樣子還是真正愛家明的忠誠，遇上在世界上的另一個他，比著在今天的電影評論，早就被狠狠的批評了。奈何，這對戀人根本就是電影的亮點，演出到位，更奠定了其影帝與影后的地位。是他們令到電影昇華，即使亦舒的小說與楊凡的改編未如理想，但整體故事還是說得通的。 
　　 
　　 在電影裡最令人銷魂的是長大後的玫瑰，打扮得高貴大方，連吐口香煙也特別嫵媚，女人與煙比憂鬱更憂鬱，若有所思般的傻女人、等愛的女人、勾魂的女人，如斯的美麗，真的如戲中對白所言「美麗過美麗」。甄妮唱到「昨日那份美 可會記得住」，簡直想回應一句「何日君再來」。看老港片看得令筆者這個年青人看得如此開心，這份美，這份的簡單在今日的電影真的很少見。《玫瑰的故事》絕對是一部很值得收藏的作品，特別是當你看過這個最新的修復版，電影菲林會變壞變質，但好的電影會世世代代的留在觀眾的心中，即使觀眾和電影的年紀有差距。也許，這就是被電影世界催眠的魔力。
               
　　 
　　文/Dorothy 

《中國合伙人》:尋找「陳可辛」

當電影接近有五億人民幣票房之時，香港終於都上畫了，不同的是開始再沒有人認為陳可辛是香港導演，甚至開始要拋棄他。原因很簡單，他的電影洗去了歷史的年輪，更美化了中國人的醜態，販賣因鑽空子而所得的成功秘訣。從《如果．愛》開始，他過去幾年一直在掙扎，他試過失利，《投名狀》據說是收不回投資的成本，《武俠》鮮有人問津。無疑《中國合伙人》都是大家期待非常的作品，擅長拍攝小品的他，彷似是回到那個九十年代的氛圍，從《雙城故事》、《新難兄難弟》、《金枝玉葉》到《甜蜜蜜》，每一部都是有人文關愛之情，體現香港人的美。但來到《中國合伙人》，這個陳可辛無故缺席了。有人說他投機，有人給電影打很低的分數，有人依然深愛著他的電影，有人痛罵，有人擁護。其實都是一種態度，一種自己從電影裡頭代入的觀感。 

那些年，王陽接載過的男孩

　　 
　　 戲裡戲外，在社會上經常都遇到這類的中國人，以為自己聰明得要死，看不起別人，有幾個錢就以為自己是大爺。在戲院內，只有中國的觀眾在座位上說過不停。骨子裡總是認為別人在批評自己，自卑得很。而陳可辛在電影裡不幸確診患上被迫害妄想症，把中國人的習性合理化，不禁令人痛心。對《中國合伙人》的觀感大可以用四個字形容「既愛且恨」，愛的原因很大程度上是伴我成長，他的電影特別是UFO時期的製作天馬行空的，能把每個小人物都刻畫得深刻，而且都是輕喜劇，帶給了無限的歡樂。大約九八年左右，他到荷里活拍了一套《情書》，反應說真的不太好。其實不單是電影界，社會裡總是有很多投機份子，就連我們的父母都認為投機是對的，他們甚至認為別人的子女懂得炒賣就是好的兒女。五億，不理會是什麼理由，從你身上賺到就可以，看到的是這種的心態。 

　　 
　　 《中國合伙人》說實話，配樂與前半部的故事的確有感染力的，那些年我們一起上過的大學，忙著考英語考試，想著「夢想」。他們是文革後上大學的一批青年人，他們有話語權建設中國。然而，他們心裡有個「美國夢」，對外面的世界充滿好奇，那個年代能夠出國並不容易。今天有人調侃從海外回來的留學生叫「海歸」(海龜)。美國夢一直對中國人來說是夢寐以求的，妙齡女子寧願下嫁老翁也只為了一張綠卡，不怪蘇梅離開成東青，只怪生錯在一個光怪離奇的地方，一個只有利益與互相利用的地方。實在讓觀眾看到中國人的縮影，所謂的成功之道根本就是這樣的一回事，你感覺很醜陋，不，告訴你，這是現實。 
　　 
　　 至少在這部電影裡，看到了商場上的爾虞我詐，朋友，你真的相信朋友？到了若干年後，你就會知道昔日與你走在一起的人，有多少友情可以留守到最後，整部電影裡，筆者看到的是悲哀，包括對夢想的消逝、友情的傷害、愛情的逝去，到最後「朋友」不知道做不做得成，但最終也成了「合伙人」。它所呈現的是一現鏡子，直照著每一個國人，這是無可否認的。電影畢竟也是一門生意，取巧賣弄成功學，勵志一下，夢醒了，生活依然繼續。

三人行必有我師？

蘇梅，你再不答應我，我就跳湖

　　 
　　 戲裡那種八十年代的情懷，甚有一種延續《如果．愛》的味道，特別是齊秦的《外面的世界》，同樣是八十年代的北京，下著雪，他們的衣著是那麼的土，人是那麼的單純。陳可辛是聰明的，他寧願花過百萬買下音樂的版權，從音樂說一個滄桑的故事，對觀眾都是似曾相識，相當討好。而在演員方面，三位的形象不一，但鮮明，擦出火花，留下深刻的印象。至於在戲中也有陳可辛的影子，王陽的造型與他浪漫派的思想，孟曉駿的背景，而今日的他卻成了成東青，他是犬儒的，但遇上機會無論如何都要珍惜，他必須放手一搏，但他依然不知道該怎樣做，他也想被人看見，可惜舊夢已去，他的美國夢也打破了。 

　　 
　　 《情書》未能為陳可辛在美國揚名，每個成為導演的人總有一個美國夢，而他這次回去不是要成名，而是取景，真正要讓陳可辛成名的地方是這裡，從香港本土到美國，再到東南亞的電影發行，暫時這一站叫做中國，從2006年到2013年，他嘗試了。《中國合伙人》是他是中國的寫照，是觀照我們的一面鏡子，是一個讓他思考該不該走的方向，他提過自己不想「被大片」，所以他花了不太多的時間拍成這部電影。中國夢與美國夢之間的交纏，這不再是一部《雙城故事》與《風塵三俠》，這或許是陳可辛在中國新影壇上的里程，可惜欠的是一點的宏觀，多了一份的銅臭，或者是對自己的迷失，兩者均可以兼備。 
　　 
　　 令電影多了一份質疑的是劇本似乎是按照「新東方」的發績史而寫的，不知道過去幾年導演能明白中國多少，但至少要掃清眼前的問題，就是劇本有沒有按照真實人物而寫，到底是不是植入的廣告。奈何，雖然講了很多廢話，有痛心之處也有它應該存在之處，很難說我是否喜歡這部電影，我既討厭成長後的主角們，夢想都變質了，還怎能叫人追下去。可是，我又喜愛那種八十年代的情懷，老北京，長頭髮的男生，熱血青年，怎叫人不動容。我還是與主角們一樣的糾結，到底是世界改變了我們，還是我們改變了世界？看後竟泛起一絲的淚光，我不會說我愛不愛這部電影，我只是很想說它教會了我們一課，叫做『現實』。 
　　 
　　文/Dorothy


主角三人所唱的《光陰的故事》

繁花似錦的十七歲

初夏，在無聲中來到。青春，既是揮霍又會消逝在時間中。一到夏天，意味著青春、活力、陽光外，對於學生們是抉擇的時候。最近網上傳閱一段來至1999年的新聞紀錄片，片中圍繞著當時的三個年青人，黃翠如是現在大家都比較熟悉的藝員，黎玉清目前是香港一位的舞台劇演員，還有她們的好朋友李卓傑。1999年，世紀末的暑假，對於他們來說前路茫茫，在理想與現實中間徘徊，他們都想進演藝學院，都想成為舞台劇的一份子，無論是十多年前還是今日我們都會問到一句「理想多前一斤？」，生活與理想不一定能共存，生活總是充滿挫折，能夠堅持理想的人絕不容易。

                            

那一年，他們十七歲，轉眼間今日他們都已經三十出頭。三人裡頭就只有黎玉清進了演藝學院，黃翠如選擇了別的路，但同樣做著演藝事業。夢想，總算可以實現。最初認識黃翠如是在有線的旅遊節目《活得很滋味》，當時已經很喜歡她，她的率直、像個大兒童，很小女孩、活潑的演出。現在的她雖然到了無線工作，但仍深得不少粉絲的厚愛。而她曾經拍過兩個電影，分別是《奪標》與最近上映，票房十分慘淡收場的倉底貨電影《媽媽，我愛你》。兩部電影的口碑都不好，相反在電視界裡反得到觀眾的認同。如早前播放的《心路GPS》為她的電視劇處女作。同樣早前播放的《走過浮華大地》更獲得觀眾的讚賞，稱讚她的真情流露，雖然最近她被受網友批評「六四論」，但經過澄清後其實她並沒有改變自己的想法，依然的堅持自己。

黃翠如的十七歲得到了往英國進修的機會，如今看來她的青春並沒有白過，或者工作性質有點不同，但起碼是相似的，但祝願她日後能有機會參與舞台工作，實現自己最初的夢。同樣，黃翠如的十七歲讓人想起初夏、狂奔、少女的氣息，由影評人皮亞(林震宇)編劇的《十七歲的夏天》同樣滲透著一股誘人、放浪的青春氣息，除了最近電視播放「三十歲出頭」、「扮後生」的青春電視劇《情越海岸線》講到長洲外，《十七歲的夏天》的少女也走到島嶼上度過她們的一個暑假。

                    

影片由未出道的江若琳(當時叫做江玲)主演，電影裡包含兩個故事，分作A，B兩邊，A故事是圍繞一班少女脫下校裙，大大咧咧的玩耍，同時也見證著一段戀愛的誕生。而B故事談的是一個「回家」的故事，三角關係。那年夏天，寧靜的海。幾顆悸動的心在跳動，你的滑浪板是多麼的誘人。是一部看後會使人回味青春、重拾青春的電影。劉德華有首歌唱到「十七歲那日不要臉 參加了挑戰」，青春是一塊瑰寶，《六樓後座》的青年頹廢地實現自己的夢想，見證青春是一塊「方糖」(荒唐)，這種屬於少年人的追尋夢想的電影，令人心動。

《珍姐與露莎》(Ginger and Rosa):兩個少女的兩種命運

《珍姐與露莎》(Ginger and Rosa)是一部很有野心的電影，包含著青春、性、家庭、愛情與世界觀。兩位小演員Elle Fanning與Alice Englert都相當有潛質，年紀輕輕已能獨當一面，是本片的亮點。少女十五十六時，你還記得你在做什麼嗎？一直以來對叛逆青春的電影特別有興趣與有一種觸動，也許是被遺忘了的青春要走進身體，荷爾蒙急升，總覺得青春就是要有反抗，抗拒世俗的特質，於是對本片充滿期望，但又不至於失望。只是抽身一看，有些人的青春只為了找一個伴侶，就這樣簡單，各安天命。 
　　 
　　 或者不要把它當成是青春片中的公路電影看，把它當作是兩個女生各自選擇不同的路一看會比較合理。無可否認的是命題很大，未能把世界觀與愛情觀兩者緊扣在起，只是很表面、皮毛的交待就算。電影的前半段是輕快的，女生的爽朗與友誼交代了她們之間的愛，是友情又好、是初萌芽的愛情也好，不用計較。甚至也不用把這部片定義為什麼女同志電影，其實又未到是女同片，只是對朋友、對摯友的關心與感情。 
　　 
　　 Ginger與Rosa，本是情如手足的兩姐妹，當時正是冷戰時候，正值古巴導彈危機，當時世界各地牽起反戰運動，主人公身在的英國也不能獨善其身。核子災難至今仍然是世界各國要解決的問題，起初她們一同參與抗爭，有意去理解更多核彈的信息，但在過程中道不同，就不相為謀了。有人的重心放在對世界的，有人則放在愛情，大家都以為眼前的一切就是全世界。意想不到的是人的自私，對愛情的追求傷害了一個家庭的成員，而此刻，世界沒有毀滅，反而一個家庭卻由此崩潰。 
　　 
　　 對比，是這部電影一個很重要的元素。世界VS個人，中年VS年輕，過去VS現在。在毀滅與存在之間，一步一步看到兩位主人公的變化，曾經的一起追求，然後分道揚鑣，是大家的價值觀不同了嗎？在成長之中，進進出出的人太多，想當年與你一起追求的人，至今餘下多少？Roland雖是Ginger的父親，但Roland對Rosa的忘年戀感情卻是真實的，然而這段感情不但沒有得到Ginger的喜愛，反而成為了她與Rosa之間的隔膜。Ginger是個知性、有擔當的少女，然而她是傷得最深的人，她的世界觀得到鮮有人的認可，很多人都覺得她做的事很無聊，與其關心世界是否毀滅，何不關心個人？社會上總有些人帶有這種想法，當看到別人受到壓迫時，永遠躲進暗角。 
　　 
　　 電影不談政治，只談傷害，理想破滅、家庭制度崩潰、朋友的離棄、再加上友人與父親的新關係，該如何面對兩人？相當的錯綜複雜。所謂愛，不是建基於自由主義，而是有所約束與考量別人的感受。Rosa的無知、她的早熟與放任成為Roland愛上她的原因。 
　　 
　　 對這部電影又愛又恨，很大程度上是導演Sally Porter拍對了風格，至少在那個時代背景下，在技法上是可以的，而且運用了35MM的菲林拍攝，使電影更上一層樓。青春片的特質除了是拍出孩子的心理變化外，質感也是很重要的，特別是那個時候的東西，都要塑造得有感覺的。恨，主要是來至對兩個女孩描寫「改變」的部份不夠細膩，情深說話都留在心裡，都很保守、含蓄的。而最大的問題則是在於故事裡的元素比較分散，不夠集中。整體來說，要理解也不會太難，拍攝方面尚可接受。 
　　 
　　 這部片也可歸類為「殘酷青春」電影，每個人都帶著傷痛，上一代人面對戰爭，Roland曾經坐牢，而像Ginger與Rosa的一代接受著社會洪流的轉變，反戰運動、性解放運動，後來有嬉皮士和搖滾樂的出現。她們是時代的見證人。兩個少女的兩種命運，是一個面向。每個人的青春都有它的特別之處，有人懵懵、有人內向、有人喜歡挑戰、有人總在觀察，或者借用《六樓後座》的一句，青春就好比方糖一樣。Ginger與Rosa 的友情或者由此而走向衰敗，或者彼此諒解，這就交由觀眾自行判斷。 
　　 
　　文/Dorothy

《逆光飛翔》:讓夢想放飛到更遠

《逆光飛翔》是一部絕對不應該錯過的台灣電影，除了在金馬獎獲得了三項獎項外，還代表了台灣參與奧斯卡。說實話，近年的台灣電影憑小清新的風格走出了自身的一條路線，而且得到了各地影迷的支持與期待。獨立電影走到主流是近年台灣電影的趨勢，而當地政府，文化部門又熱烈的配合。在奧斯卡的頒獎台上，李安的一句「感謝台灣」讓我們看到這一個小島有很多的可能性。台灣的小清新、青春、勵志電影給觀眾最大的感覺是純真、是回到過去、是從生命的無奈裡找到一點正能量，電影產業除了是提供娛樂作用與商業考慮外，重要的是尊重創作，鼓勵共融，具反映社會真實的特質。 

　　                                     

　　 當一個殘疾人士有份擔當男主角時，我們看到電影在有需要時是要真實地面對群眾，《逆光飛翔》讓筆者想起在《The L word》裡頭正就是有位殘疾的演員。共融是重要的，最重要是給演員參與其中，證明到他們是殘而不廢的。或者在電影裡頭黃裕翔的角色並沒有突破，因為他做的角色就是他自己。而導演其中一個目的就是要帶出殘疾人士與社會之間在磨合方面的問題，他的同學並沒有口說歧視他什麼的，但背後卻嫌棄他，認為他是製造麻煩。而他自己脫離了家庭的保護圈，走進社會，走進繁華的台北市，讓他有感要學會自立與做到的事情就應當自己做。《逆光飛翔》與幾年前的《聽說》比較，看起來《逆》片最為真實，《聽說》在結尾寫到原來是一場「美麗的誤會」在某些程度上對於殘障的觀眾來說，有種尊重彷似是空談的。 
　　 
　　　然而《逆》片採用真實的人，不但證明其殘而不廢，更是證明只要有才的就可以擔當其它的崗位，比如參與電影的原創音樂的創作。裡裡外外，電影反映出來的是完完全全的生命力，青春、夢想、愛、友情，再加上小清新的拍攝手法，女主角的演技等都昇華了這部看似是平淡的電影。而在戲內巧妙之處是如何把兩個風馬牛不相及的人連繫在一起，兩個都是青春年華的年輕人，他們分別有各自努力的目標，然而有人很想曝光，有人不想曝光，正好成為了戲裡的對比。讓人看得見總是有優點與缺點，無論做得怎樣總會有人批評，但批評也是一種反響，主人公希望得到的不是同情，而是對他才華的認同。至於女生方面，她需要的是自信，她介意別人如何看待她，她一直都覺得自己跟在別人背後跟得太久，終於決定要走自己的路，不受制肘。 
　　 
　　　他們二人互相給予對方鼓勵，互相的理解，或者前方的路未必很順暢，但起碼他們都嘗試過。對於我們每一個人來說，嘗試的那一步是重要的，我們會失意，我們會被現實打敗，但我們要從挫折中站起來。這是電影教會我們重要的信息，他們做到了，而我們也要堅守自己心中的小夢想。 
　　 
　　 台灣影人叫導演張榮吉做有前途的明日之星，第一部處女作長片就一鳴驚人，成績突出，又得到觀眾的愛戴，的確叫人驚喜。再看回導演在零八年拍的短片《天黑》時，大概就感覺《逆光飛翔》是前作的進化版。電影是有很多可能性的呈現，同一部電影也有不同的解讀。《天黑》是粗糙的，是即興的，而《逆光飛翔》是再造，是經過時間的洗禮，是經過心思熟慮的。曾經有一些電影，例如《Cashback》與香港有套講述粵劇的紀錄片《乾旦路》最初的版本都是短片，長片是彌補短片的不足或者是延伸。如果劇本的添加是有意思，而導演在拍攝上又能駕馭的話，又何嘗不可呢。至少劇本沒有過份的加鹽加醋，也是點到即止的。觀眾可以把兩套作品放在一起觀看，而不是單一的看完就評論別人沒有新意。看電影是需要做一點功夫，而不是基於前作怎樣怎樣，就說別人不應該這樣處理。 
　　 
　　 當看到《天黑》中的張榕容到今日的她，已經進步了不少，在《逆》片中她的演出精湛，跳舞跳得如專業的舞者，經過幾年參演不同的電影，從她身上看到一份親切，她是一個相當有潛質的演員。年華二十五，已獲得三次金馬獎最佳女主角的提名，證明她是絕對有才華的，同時她也是個專業的演員，從她身上看到了演戲的熱誠。 
　　 
　　 張榕容固然是令人迷上這部電影的原因，另外叫人迷上的是這部電影的原聲大碟，一部好電影要有靚人、好的故事之外還要音樂。音樂是電影其中一個靈魂，再加上黃裕翔動人的琴聲，使《逆光飛翔》成為一部接近完美的電影。論者偏心也是有理由的，因為它是真的好。 
　　 
　　 來吧，帶上《逆》片去找尋自己的夢想吧。 
　　 
　　文/Dorothy