【38th HKIFF】《We are the Best》:打band不離三姐妹

 瑞典導演Lukas Moodysson改編了他太太的同名繪本，拍成了這部以成立女子樂團為目標的《We are the Best》。莫非是夫妻同心，其利斷金？《We are the best》笑中有淚，既瀟灑又風趣。青春電影最主要的基調是反叛、反建制，而這部電影從內到外做到了反傳統。一般的音樂題材電影都慣性用男子組樂隊為主調，女子組的作品反而寥寥無幾，其中的例子有以七十年代傳奇樂隊The Runaways為題材的同名電影。十三歲的少女樂隊，從零開始組樂隊，中間經歷了友誼、信仰與愛情的考驗，從音樂裡看到團隊精神，同樣也有一份正能量貫徹在電影當中，誓要做到我們看似很壞，但實情是很捧的自我滿足精神。成功與失敗，who’s fucking care? 
　　 

　　 《We are the best》宣揚的是把青春揮霍，不理他人目光的精神，喜歡看青春電影大概是從年青人身上看到他們拼死都不會放棄的理想。成長何謂是人生的黃金時間，從電影開始就看到外國青年人在生活上是如此的放浪不羈，校園的開放程度直叫人豔羨。十三歲少女恤成Punk的髮型，雖然會被人嘲笑，但起訴堅持了自己的信念。信仰不一定是宗教，可以是音樂、可以是藝術，片中的少女Bobo與Klara當下的目標就只有從Punk裡面學習，從Punk裡面得到解放。在日常生活中，Bobo生活在有缺失的家庭當中，而Klara雖然生活在幸福家庭，但家裡經常會有紛爭，十三歲激起的青春荷爾蒙開始反叛起來。而此刻她們可以做的是找一點樂子，在誤打誤撞的機會下接觸到音樂。 
　　 
　　 經營一對樂隊並不容易，特別是她們兩個也沒有接受過音樂的培訓。在偶然的機會下遇到同校卻被同學嘲笑的Hedvig，開始了三人的搖滾歲月。Hedvig是傳統的基督徒，相當來說Bobo與Klara的角色就像是邊緣少女一樣，她們被遺棄，同學或多或少總會「歧視」她們的髮型，認為她們是異類。在男人的世界又得不到任何的尊重，唯有Punk讓她們說出心中所想，唱出她們的世界觀。《We are the best》的有趣之處是看到國外的年青人可以關心多種的社會議題，從核災到飢餓問題，一些看似是無關痛癢的事情落到她們手上，就是憤怒。歌曲與社會的關係是絲絲緊扣的，音樂不只是談情說愛，最重要是想法與表達自己。至於會不會得到認同，那就是後話。 
　　 
　　 三個少女的關係也因為信念的問題而動搖，Hedvig在Bobo與Klara的鼓勵下進入樂隊，並帶領著樂隊進步。最初Hedvig受到同學的排擠，嫌她老土，是學校的孤獨精。Bobo與Klara在外表上並非善男信女，但心裡是相當善良的。她們打從心底欣賞Hedvig，讓她從自我的世界走進另一個意識形態之內，感受世界的差異。電影的一個賣點是和而不同，即使不同的宗教信仰也可以共冶一爐，而最令人感到大快人手的莫過於對宗教的諷刺。事實上，有些教徒對宗教走火入魔，片裡Hedvig的母親認為女兒被欺凌，要求Bobo與Klara跟她回教會。誰知女兒早已認同兩位小伙伴對她的「改造」，產生了獨立自主的想法。音樂是她們的共同目標，是大同的。電影最好的處理方法就是不對任何一方作出批評，而是讓兩種的價值都存在，交由觀眾去評價。除了挑戰價值觀外，電影也寫了一段十三歲的愛情，正所謂少女情懷總是詩，總是花癡。這一段感情看似是複雜，兩姐妹為了一個男仔而出暗招，差一點就打破了友誼。幸好，總算沒傷到感情，姐妹間的感情一時亢奮、一時迷惘，但無論發生任何事情也看到她們的團結。直教人內心感到溫暖的。
 
　　                             

　　 電影的優勝之處是沒有把成敗得失掛在口邊，並沒有輸打嬴要，展示出隨性的一面。一方面感到女孩們都很頹廢，但另一方面頹廢之中帶點狂野，何嘗不是一種我有我生活的態度。有時候電影就是需要這種態度，告訴我們不用怕，又如何，為我們的生活注入了一份正能量，也為我們注入了笑聲，笑聲之中不約而同的帶點哲學，帶點道理。《We are the Best》絕對是一部好戲，三位小演員都相當有天份，不要看她們的樣子很punk就覺得恐怖，其實三位都是小美女。未來的路前途無可限量，還有的是牙尖嘴利，年紀輕輕就能有如此喜感，的確為電影增添不少好感。值得一看再看，再唱一曲Hang God和她們唯一的「hate the sport」吧。

離巨星二十尺(Twenty Feet From Stardom):和唱女聲的歷史

音樂題材的電影在這兩年的奧斯卡似乎特別吃香，去年的最佳紀錄長片《尋找隱世巨星》(Searching for Sugar Man)向世人展示Rodriguez的傳奇一生，他對藝術、對追求人生的意義，讓人在這一個名不經傳的歌手學到做人應有的態度。一個懷才不遇的歌手有如核爆一樣在異國大放異彩，甚至成為南非種族隔離政策下的英雄人物。 

                        
　　 
　　 而今年的奧斯卡評委同樣也選了一部以音樂為題材的紀錄片《Twenty Feet From Stardom》，一班的和唱女聲在大明星背後身經百戰，偏偏待遇與命運卻與明星們是兩個世界的人。她們擁有的是一把好聲音，或者在一些歌曲、電影配樂裡都聽過她們的聲音。可是，沒有人記得她們的名字。她們並非甘心當甘草，只是命運有時叫人失望，有人未進門就已經被唱片公司欺騙、有人即使走進了主流歌手的大門也未必適應到環境。有人在夢想與現實之中選擇了後者，做回一個平凡人。 
　　 
　　 與《尋找隱世巨星》相比，《Twenty Feet From Stardom》講的是女人的人生，為了唱歌，可以放棄多少、可以得到多少，還可以堅持多久？兩部紀錄片也是相當上乘的作品，前者看到Rodriguez的人格魅力，即使當裝修工人也要華麗地上班，即使得到了名利，也要過上樸質的生活，不浮誇也不驕傲。在他身上體現的是高尚情操。至於在《Twenty Feet From Stardom》裡的女人，她們有的是夢想、自由與天賦。每個人都有一把好聲音，只是當時沒有真人秀《The Voice》、《American Got Talent》這一類節目，否則她們就會成為今日的巨星。 
　　 
　　 巨星之路一點也不容易，要計算的除了天賦外還有人際關係與觀眾緣，此外還有自我的因素。片裡訪問了很多當時名氣較大的和唱女聲，而電影裡比較引人注目的是兩位已經出版過唱片的女星Lisa Fisher與Darlene Love。Darlene Love四十歲才正式出道做歌手，近幾年獲得一些名銜，在和唱女聲中算是發展較好的一位。而Lisa Fisher曾經得過格萊美獎，可是星光背後在發行了第一隻碟後就迷失了。星光背後，並不一定是發財立品，這些女生走進音樂事業也不是為了金錢，而是背負著夢想與信念，很純粹地愛音樂。她們大多數人都是黑人，通過音樂與自強走過了混亂的時代，經歷過種族歧視、越戰、嬉皮仕的年代。同時間的音樂路與嘗試也十分多元化，她們分別與Ray Charles、Stevie Wonder、David Bowie、滾石樂隊與MJ等著名歌手合作，把他們的歌曲昇華至另一個層次。 
　　 
　　 和唱女聲的聲音是有感染力的，她們不是台上的佈景板，而是有生命力的個體。也許她們只是大明星的陪襯品，但她們的價值不是旁人用三言兩語就可以否定。在電影裡展示出一個客觀事實，尊重他人與尊重生命。有時候，我們未免把成敗得失看得很重，而這些女生教會我們即使是微小的也會有發光發亮的一刻。是在於心境，在於對事物的態度。再多經歷一點事情，驀然回首也只不過是過眼雲煙，從而感激生命、常存感恩的心。電影利用口述歷史描寫了一個音樂事業輝煌的年代，從民歌到騷靈、再到今日的流行與搖滾樂，都有著女聲的身影。是她們塑造了音樂，還是音樂塑造了她們的人生？ 
　　 
　　 《Twenty Feet From Stardom》就是一部徹頭徹尾的音樂與人生的歷史。觀眾要想的是昔日她們真人演繹與收音，聽起來的聲音是人性化的，如今的音樂事業講求的是科技、要求快餐文化，所做的事情相對是去「人」化。由始而終，音樂是人的音樂，然而在這個時代裡主動否定人的價值，講起來是諷刺的。面對這個新的時代，和唱女聲面臨的問題包括失業、還有就是要與科技競爭，一把又一把的好聲音未必再有更多的機會亮相於觀眾耳根前了，相當的悲情，但無奈被淘汰也是一種現實。

一塊紅布掉下．一個崔健降生

《崔健．超越那一天3D》是一個很特別的觀影體驗，立體的崔健呈現在觀眾眼前，全片滲有八十年代的風土人情，再加入了一些故事性的，但最重要的是北京交響樂團與崔健的融合。然而，崔健並不是用來看的，真正的作用是他的歌聲如何帶觀眾回到火紅火熱的年代。無疑這是一部「粉絲電影」，為崔健輕狂，真的不過份。我記得在港產片《表姐你好野》中，飾演梁家輝父親的林蛟唱著《一無所有》，於是鄭大姐(鄭裕玲飾)就說「終於唱首我們的作品」。崔健的歌曲是代表那個年代的中國，他的音樂中內藏著男人的柔情，朝朝暮暮的思念之情。同時對於我們這些年青人來說，他的音樂有著啟發與啟蒙的作用。 
　　 
　　 這不是一篇影評，這是很直觀的感受。正如上一段所說，各有擁護，但在視覺上影片並不是特別的出色，3D技術只是取巧而已。且看，國外的演唱會錄像也有採用到3D技術，也不是特別新鮮的事情。對於觀眾來說，主菜不是視覺上的，而是聽覺上的。崔健說:「交響樂是一把刀子，而搖滾樂也是一把刀子」。崔健是一個徹頭徹尾的藝術家，他的突破帶領著改革開放後的中國，於是後來在八、九十年代開始有許巍、田震、鄭鈞，把二十多年前與現在的比較，恐怕是比不下的。那些歌至今仍是在唱著，而今日的歌恐怕失去了時代的味道，變得庸俗，離不開愛情，少了漂泊、也少了滄桑。 
　　 
　　 崔健的音樂路走得不容易，從1986年的《一無所有》再到三年後才有機會出碟，那一年發生了很多事情，而他的歌曲裡很有「紅色的色彩」，描寫改革開放後的社會實況，比如說在是次演唱會中演唱的《農村包圍城市》、《紅旗下的蛋》，對國家的未來有希望之外，也批判了城市人對農民工的態度。城裡的人不可一世，自恃多讀幾年書就看不起他人。從這些歌詞中可以看到崔健是有人文關愛的，同時他是受到老毛的思想影響。 
　　 
　　 稱得上是演唱會，自不免在短短不到八十分鐘內選一些為人熟悉的歌，特別是他的經典作。例如是開山之作《一無所有》、描寫男女之情的《一塊紅布》、對心愛姑娘朝朝暮暮的《花房姑娘》還有在電影《中國合伙人》出現過的《新長征路上的搖滾》。這都是崔健的代表作，讓人如痴如醉。有時候，有些人需要懷緬過去，也需要借鑒過去。今天的中國樂壇太多選秀明星，然而又沒有一個誰讓人牢牢的記住，崔健是一個時代，也是一個傳奇。至少，他敢說話。 
　　 
　　 他是《一無所有》的《假行憎》，從南走到北，帶著一把《刀子》與《一塊紅布》，走過《農村包圍城市》，帶著《寬容》，與《花房姑娘》生了《紅旗下的蛋》，太陽爬上來，再繼續《出走》，這就是他的《新長征路上的搖滾》。香港版與內地版沒有大分別，同樣是刪減了《最後一槍》，深怕的是政治上的問題。要講到個人比較喜愛的選曲，就要講到《出走》、《一塊紅布》與《花房姑娘》，《出走》是在路上的一些感覺，回家之情很深。崔健的音樂路也帶著這種色彩，不斷的出走，不斷的重新再來，這帶著堅持，同時也帶著了遊子之情。《一塊紅布》與《花房姑娘》是很卑微的，「我獨自走過你身旁 並沒有大多話要對你講」，「那天是你用一塊紅布 蒙住了雙眼也蒙住了天」。少男少女的單思之情，有點浪漫，又若得若無，朝著大海的方向，來得高尚。《一塊紅布》裡的患得患失，愛情使人忘記了沒地方住，都是往心裡去的，一個大男人如此浪漫，如此的卑微，作為少女也被他迷倒了，哈哈。 
　　 
　　 不用質疑與計較太多，看這部片的票價難免比平時看的更貴，但是十分值得的。一個時代，一個大叔，穿梭著八十年代，憶苦思甜，認識八十年代，既是感恩而豐盛，那是悲喜交集的過去，那是歷史的見證。我愛搖滾，我更愛崔健。 
　　 
　　文/Dorothy

崔健--《出走》

你問我將要去何方 我指著崔健的方向

內地版海報

前排上映的《中國合伙人》中用到了兩首崔健的作品，要講到八十年代火紅火熱時代，豈能不談崔健，它的歌曲所代表的是一個時代。有熱血、紅色色彩之餘還有的是叛逆，那個年代是思想爭鳴的時代，代表著夢想、自由。在崔健的歌裡頭也有著革命思想，他的歌曲很容易與政治連繫在一起。時至今日，作為一個年輕人認識內地的藝術文化，一定要認識這位出名的人兄，這位的「搖滾之父」，地位臻然。


時興到電影院看演唱會，由歐美的巨BAND、韓星、日本組合、甚至是動漫明星都有市場，去不到現場，看錄影的、看轉播的，一睹明星的風采。而這次放映的作品是內地首部3D音樂作品崔健《3D超越那一天》，影片早在幾個月前在北京國際電影節中放映，看到有些內地的觀眾穿州過省的，就是為了他，崔健。普遍影迷的反應也是不錯的，或者這看起來是一部「粉絲」電影吧，但為了崔健輕狂一下，真的不過份。無論是同時代的人、還是新世代喜歡音樂的人，都一樣會愛他，想認識他。他講到搖滾是一把刀子，而這次是一個CROSSOVER，交響樂與搖滾的合一。

我們身在香港不用穿州過省的「朝聖」，可以直接買飛到影院欣賞。當然有機會待崔老大開演唱會時親身支持就最好，而我們暫時唯一可做的就是看這部電影望梅止渴一下，回到那個沸騰的時代。向著崔健的方向，前進。

目前，此影片將會有兩場放映，分別是9月23日與9月29日。門票現正公開發售。

要更多的資料，請留意崔健《3D超越那一天》FACEBOOK。

四重唱、四重奏與合唱團

回顧過去兩個月，有兩部電影從性質、演員都很容易讓人弄錯。五月份下旬上映了一部叫做《黃金花四重唱》(Quartet)，導演叫做Dustin Hoffman，而在六月下旬上映的另一部電影《黃昏四重奏》(The Late Quartet)裡又有一位叫做荷夫曼的演員，四重唱與四重奏難免會殺人一個措手不及。而且排片方面也比較密，英文名字也相類似，同屬是音樂的題材。抵死的壹週刊就在雜誌上寫了一個不看《黃昏四重奏》的理由，就是已看過四重唱就不用看四重奏了。這本雜誌的評語還真倒米的。

這兩部電影的性質雖然相類似，內容都是圍繞著一班已達花甲之年的老人，前者《黃金花四重唱》發生在一間老人院裡，已在暮色之年的長者在院裡堅持自己的夢，唱唱歌，玩玩音樂，話當年。從前的他們都對著鎂光燈，有著一段又一段的「光輝歲月」。如今，有些老來只有孤單一人，在院裡相互的照顧。年屆七十多歲的Dustin Hoffman是此片的導演，也是他的第一部作品。而這部作品包含的是一份世故，曾經滄海的男人把怨恨留在心中多年，如今他懂得放下。「人生有幾多個十年」是他們這些老人的寫照，同時這是一個關於朋友、愛情的小品，溫情洋溢。


而後者《黃昏四重奏》是一個離開的故事，四重奏樂團在準備新一季的表演時，大提琴手PETER發現自己患上帕金遜症，而隊裡的成員關係突然變得七角咁亂，面對愛情、友情與眼前的利益，到底他們能否走下去？這隊組合又能否完成他們的表演？

留一個伏線，的確這兩部電影的性質與內容都有類似的，但喜歡音樂的人都可以留意一下兩部電影的叙事手法，了解一下它們好與不好的一面。而不是像雜誌一樣叫人唔好去睇，這一點都不好笑，也不好玩，手法也低賤的。

如果要筆者選取那一部較好，故事脈絡較說得通的，《黃金花四重唱》顯得較完善一點。該有的元素，對人生的唏噓都能夠樂觀一點去看，人生的舞台依然猶在。看東西也較為宏觀，戲劇效果沒那麼的多此一舉。始終導演的人生歷練與參演的作品也有很多，這就是經驗。而戲中的演員，即使是亳不顯眼的都曾經是音樂人，他們參演其中。為故事增添了不少的真實感，又彈又唱，相當豐富。始終是音樂導向的，這些老年人依然是大放光茫。

然而，《黃昏四重奏》則把重心放在PETER患上帕金遜症之後樂團發生的狀況，內容包括是團員之間的爭吵，把過去回憶與現在牽扯在一起，還有的是母女之間的爭執與妒忌。重心偏重在家庭身上，而結尾也完結得有點的突兀。整套電影是比較冷漠的，音樂不是電影的重心，看起來像有點借助音樂「過橋」，而且電影中有些情節像是多餘的，彷彿為了講故事而加鹽加醋。筆者雖然都不太懂歌劇與古典樂，但依然是感覺到當中的熱誠與愛，這些的朋友互相的支持，這兩部電影都有個共通點就是即使朋友間有誤會，但他們最終都會為了音樂夢想而和解，用音樂來說話，四位都是最佳拍擋，少了一個人就會很失色。



或者這類的電影都在香港算是小眾，因此只得少數的戲院上映，也較為可惜的。而筆者最近也看了一部與《黃金花四重唱》一樣是來至英國的小品作《Song for Marion》，故事講述Marion是一個瀕死的人，她最愛就是參加合唱團，她所在的合唱團要參與一個比賽，未幾她的生命就將結束，她用自己的力氣唱給自己與家人欣賞。在她死後，家裡變得寧靜，家人也變得頹廢了。而她的丈夫一直反對太太唱歌，而為了死去的太太，他也成為了其中的一份子。或者這就是電影裡面有的人文關懷，再者就是與我們每個人都會有相似的地方。家庭與倫理都是電影的基調，容易觸及觀眾的情感。與前兩者不同的是這部電影的歌曲比較通俗與流行，但都是圍繞著一群老年人的音樂夢與興趣。雖然沒有前兩者的高雅，但流行音樂也有入屋的道理。

這三部電影都沒有什麼的大道理，但都有感動人心的一面，喜歡音樂電影的觀眾，如非必須不要錯過。

《歌聲中呼喚愛》:穿越時空的父子情

《歌聲中呼喚愛》(Greetings from Tim Buckley)，實屬一部喜歡音樂的人必看的作品，縱使內容仍需要琢磨，但Buckley父子的音樂成就與傳奇的一生就相當的得到世人的稱頌，即使Jeff已死去十多年，他的歌曲依然是震盪了樂迷的心靈。寫音樂天才的電影，說起來也有好幾部，如《八里公路》、《最後一天》與《弦途有你》等等。可見音樂的題材也可以有很多的變化，有古典的、有紀錄片形式的、有傳記載體的。而通過音樂與電影的結合，產生的是再現，不熟悉音樂人的觀眾能從中接受他們的作品，熟悉的就可以懷緬與溫故知新。通常一個音樂人要有相當的成果才會有人改編他們的故事。 
　　 

　　 有關Buckley父子的電影其實也是一部傳記電影，只是透過一個音樂會把看似是互不相識的父子連繫在一起。在內容上是有很多挑剔的空間，特別是故事的結構未能把兩者的感情緊扣一起，一方面是欠缺了張力，感情不夠深刻，是相當可惜的。如果要把它當成是什麼大作來看，是白費心機的。因它只是一部小電影，基本上是低成本拍攝，場景也不是很多。而一開始的切入也是相當的保守，也許是要保留一種真實感。 
　　 
　　 Tim與Jeff的感情疏離，兩者的共通點都是英年早逝與年輕有為，他們的死也許就是留給世人遺憾的疑團，也是增添了一份神秘感。而影片則由Jeff為什麼要唱歌開始講起，並順帶道出他的父親Tim的生活與心路歷程。奈何，這部電影是應該可惜一下的，皆因看起來像分成了兩個故事，勉強地拼湊在一起，歌聲中的「愛」不知到了那裡去。唯一與兩者緊扣的是他們的樣貌接近，骨子裡流著同樣的血與他們唱了同樣的歌。要寫這個故事其實需要用更多的「情」，但是導演卻以編年史的方式處理，難免給人的感覺是保守與記流水帳。

                              

　　 
　　 但挑剔歸挑剔，音樂迷對他們兩父子的熱愛與追隨也是令影片感人的原因。戲裡戲外，Buckley的音樂依然影響著世界的潮流，也代表著美國的流行文化。「你存在我深深的腦海裡 我的夢裡 我的心裡 我的歌聲裡」，曲婉婷的《我的歌聲裡》正好代表了JEFF對父親的感情。一首《Once I was》成為了他走向流行樂壇的路，他不是Tim的影子，他創造了自己的唱法，搖滾樂再加上了高音的尖叫，他怒吼，但有時他卻像聖樂一樣，令人沉思。 
　　 
　　 大概這種歌聲中的「愛」是父親留給兒子的「天賦」與「才華」，這是一種祝福。而電影中就只有把骨肉親情的情份透過平行時空穿越了兩個世紀，也是唯一可以處理的方法。或者導演未能大膽的作出調動，在這種線性的叙事方式其實是相當俗套。從電影的本質而言，只算是平穩的表演，在選角方面就真的還不錯，Penn Badgley還真的有幾分像JEFF。至於愛情的部份，堪稱老土，十分普通。 
　　 
　　 相信電影在開畫之後應該能吸引到一眾文藝、小清新的音樂信徒前往朝聖。像這類的音樂電影在香港的開畫與上映的確不多，而有份量的演員與描寫的歌手也要同樣有相當的知名度與認受性。因此在國外同題材的電影出品上也較少數，而且多數是找來已故的歌手作素材。其實，這類電影最重要的是把偶像的軼事與心事都可以寫出來，而且要有考究。而《歌聲中呼喚愛》雖然是有點老土，但尚且是向了兩位歌手致敬，而且並沒有醜化任何人，如實、平淡的寫出他們不怎樣存在但精神與靈魂都是合一的作品，或者觀眾可以把片名當成了Buckley兩父子給我們的禮物與愛吧。 
　　 
　　文/Dorothy



Tim Buckley--《Once I was》

《藍寶石天后》(The Sapphires):用音樂抗擊種族主義

 馬丁路德金窮一生推動民權運動，至今仍然成為不少黑人心目中的偶像。在美國，黑人女子拒絕為白人讓座一事成為了一連串平權運動的導火線，引起了接二連三的改變。而那邊廂南非同樣有種族隔離政策的問題，想不到對黑人的歧視竟然擾攘了接受半個世紀。而此時，同樣是五十年代澳洲政府對當時的原住民展開「清洗」行動，在原住民部落搶走村民的孩子教導他們成為白人。而《藍寶石天后》的故事就是從這個混亂的世代開始。 
　　                                              

　　 電影最主要是基於真實的人與事所改編，而其中一位真人的後代也有參與這次的編劇當中，使電影在感情的描寫與資料上更加有說服力。故事中的三姐妹與親人組成了藍寶石合唱團，到當時還是戰場的越南為美軍演唱，用歌聲撫慰士兵的內心，用音樂證明自己是有能力的。而故事裡頭不乏幾姐妹之間的衝突、求愛的趣事、演唱過程箇中所遇到的挫折等等，內容相當豐富，而且甚為鼓舞人心。 
　　 
　　 音樂是電影最主要構成的元素，也是當中的靈魂之一。電影的部份可說是無驚無險，有引人會心微笑的愛情、姐妹間的吵吵鬧鬧、縱然內容上在某程度上是有點俗套，但故事的脈絡尚算是健全的，某一些情節，例如無冤不成情侶、家人不准許姐妹們買唱等等都是其他電影都有出現的情節。相對而言，在情理方面沒有什麼的突破，但至少在別的地方上是取長補短。特別是一幕又一幕合唱團所演唱的歌曲，幾位女主角雖不至漂亮，也不是什麼上等貨色，但當她們站到台上演唱，歌曲是動人的，而她們能夠給觀眾感受到喜悅，既是勵志，又是視覺與聽覺上的享受。 
　　 
　　 雖說是平權電影，但在某方面上卻是有所缺乏的，例如談「歧視」的部份未見突出，只能夠在開頭出現的小酒館與運送傷兵的那一段略略的提過，其他的就只能用馬丁路德金與甘迺迪填補，但整套電影的核心價值依然是平權與帶出追夢過程中面對的種種問題。這種真人真事所改編的電影是相當有感染力與它的目的性，就是要帶出當時社會上面對的問題，讓觀眾認識歷史所帶來的錯誤，以史為鑑外更是教會我們要尊重所有人，因人是生而平等的。 
　　 
　　 戲中主人公排除萬難，好不容易地得到機會到國外演出，甚至得到了不少的掌聲，而真實中的她們並沒有放棄過追求平權與保護自身的原住民文化。而其中兩位更成為了推動原住民醫療的核心人物，對於澳洲來說她們的成就正好是反映出原住民也有他們的生活，他們就是他們，即使是任何人也不能夠改變他們的獨特性。而這部電影同時也提醒了當地的人或者是正在受「殖民」的人必須要群起反抗才有改變的機會。馬丁路德金展開他的非暴力運動，而藍寶石合唱團展開她們的音樂友善之旅，改變可以從多方面入手，並不需要槍炮，但需要個人的覺醒，明白到什麼是能夠達至多元與平等。 
　　 
　　 《藍寶石天后》在康城影展裡得到了觀眾接近十分鐘的站立，作為向電影致敬，值得嬴取觀眾的熱愛與讚賞。而片中的主人公穿上美輪美奐的舞衣，扭動著身體，唱出來至靈魂的歌聲，具有感染力與生命力。同時，這部電影也記錄了一個時代的轉變，讓我們看一看戰爭中的小人物是如何在亂世中打拼。或者電影裡頭的女主角們都不是很漂亮，但這部電影要看的不是帥哥美女，而是看這些又有喜感、又有靚聲線的人表演一番。電影的魔力不只在於影像上的表達，音樂元素也是電影的重要一環，兩者缺一不可。 
　　 
　　 基本上澳洲所發行的電影在香港還算是少數，而《藍寶石天后》正是一部具備感動、震懾、歌舞、愛情、溫情元素的電影。總體來說，也不比英國與美國製造的英語電影差，具有相當的水準。 
　　 
　　文/Dorothy

《Searching for Sugar Man》:滄海遺珠的宇宙大爆炸

Rodriguez，這個名字或許你與我還是第一次才聽到，當電影插播著他的歌聲，心靈中無疑是被征服了。他的聲音不比BOB DYLAN遜色，不比當時紅極一時的鄉謠樂手音樂差，可是世上總會有些懷才不遇的人，在世間漂泊，淡泊名利而選擇做一個平常人。《Searching for Sugar Man》是一個奇蹟，是一個音樂演化的故事，是一個永不停止的故事，是一個時代的改變，是一顆滄海遺珠的宇宙大爆炸的故事。 

　　                      
　　 當我們失意於工作不順利，事事不稱心的時候，或者我們會放棄，然後歸咎於他人。年輕時，每個人都會擁有夢想，在成長的過程裡我們被社會、被所謂的教化所摧殘，不是我們不想追夢，而是現實之中的障礙實在多的是。有些人身進了夢想之中，卻被當中的制度弄得無法翻身。音樂工樂與音樂創作是兩碼子的事，且看年中加入樂壇的新人裡頭，有多少能走運的站上五年，更不用說十年了。Rodriguez的故事，他的仕途都是充滿著傳奇色彩，誰會想過自己悄然無聲地就這樣不動聲息地改變了一個國家裡面的一代人。誰就會想到老年的他今日會成為了紀錄片的主角，而且他的音樂、他的故事透過畫面改變了我們這一群「追夢的人」。 
　　 
　　 創作，從開始就不是一件容易的事。創作的對象可以是沒有人的，一個人也可以自得其樂。然而，當創作沾上了「工作」與「商業」，那就是成本效益的考量，那就是創作人難以面對的一關。年少的人總是執著於自己的成敗得失，那一間你想進入的公司把你拒諸門外了，那一間報社沒有刊你一篇自覺寫得很好的文章。有時你會想放棄是唯一的出路，何不腳踏實地做過隨波逐流的人。或者你與我之間難免會有這樣的時刻，我們一方面為自己找尋機會，又無意地被機會打沉。 
　　 
　　 Rodriguez的故事對於我們每一個人都是榜樣，他的低調、謙遜使他的人格魅力感染到我們這些在現實生活上失意的人。他的歌聲裡滿是他在底特律生活的故事，滿是他個人與世界磨合的一個過程。歌詞中有是反建制、爭自由的，也有失望與期望，而且也有他當時的少男心動。兩個有心的南非人深受他的歌曲所影響，決意要找尋他的下落，當時有傳聞他在台上瀟灑的自殺而死。但我們知道如果他是死了，就沒有接下來的緣份，就是叫醒一個「死去的人」。整件事就是冥冥之中帶有緣份，把北半球的人帶到南半球，然後使一個寂寂無名的人成為當地的約翰連膿。 
　　 
　　 「一切不曾發生，直至它被描述。」正好套用到其中，一切的發生就在未知當中。紀錄片中穿插著Rodriguez的音樂，漸漸我們感受到他的歌聲是很有震懾力，也實在慨嘆他的仕途就這樣終結。然而，事情很多時候就是這樣，而他最令人欣賞與感動的一點就是他沒有後悔過從事這樣的工作，視名利如浮雲，同時也教導女兒要安份守己。是的，我們有時是急功近利的，但他卻讓我們看到自身的無知與執著，無法觀照鏡中裡的另一個我。即使他在國內沒有成名，但他沒有放棄過結他與音樂。所謂的失敗只是外人的看法，真正的成功是他無悔一生，他成功用音樂回應那個複雜的世道，更用音樂帶觀寫的事物。 
　　 
　　 這部電影除了是選材很成功外，Rodriguez的音樂也起了一定的作用，畢竟他是一個用音樂說故事的事。起初這部電影像是要回顧他的一生成就一樣，到後來他真人的出現並接受訪問，行走在鏡頭之上，這樣的鋪陳相當的有驚喜，儘管事前已經知道會有這樣的出現。當他去到南非要開演唱會，一切是如此的超現實，但他依然是沉著一道氣，他是當地人的英雄，他是音樂革命的先驅。在種族隔離政策下，當地曾經度過了一段「黑色歲月」，他既是地下的精神領袖又是代表著反抗的精神。但他的音樂卻是不斷地燃燒著那一代人的求變之心。 
　　 
　　 Rodriguez的個人或者沒有怎樣變過，但其他人的生活卻因他而改變。整套電影最有趣就是有這樣的對比，一個人的生命是可以影響別的生命，即使他是安份的，但他沒有忘記自己的本質。努力是有用的，但謙遜同樣是一個創作人必具備的條件。至於懷才不遇一點也不重要，只少你總會遇上你的伯樂，甚至在若干年以後你會得到應有的回報。共勉之。 
　　 
　　文/Dorothy 

電影預告(香港將會在五月上映，並由安樂影片公司發行)


Rodriguez的歌聲。