讀一本電影原著：《汪洋中的一條船》一踏浪者鄭豐喜短暫而艱苦的一生

 

去年香港導演會在高先辦了李行導演的回顧展，筆者選了《汪洋中的一條船》，同場的觀眾有黃修平導演、張同祖導演、身旁坐的有章國明導演與他的太太，順帶一提是在戲院遇見了胡楓先生（今年老先生90大壽，成為全港最老開紅館個唱的藝人，恭喜修哥）、姜大衛伉儷星光熠熠。這些電影歷久不衰，有借鏡的地方，以《汪洋中的一條船》為例，電影語言的運用，作品對社會的影響力。看這部電影感覺是沉悶老土，我們現代人看電影慣了要官能刺激與娛樂性，所以對平淡如水的東西產生抗拒的主觀反應。事後沉澱下來思考，很肯定講這是一部好電影，令我改觀的是電影不煽情、樂觀、自助又助人的精神，帶有台灣的鄉土氣息與人文關懷，帶出鄭豐喜苦難而自救滿足的一生，亦有部份文學與宗教元素。

看罷原著的自傳知道電影的改編與主人翁生命的高低起跌，電影改編了一些元素，盡量隱惡揚善。例如沒有提到兄弟姊妹對鄭豐喜的歧視與呼喝、他在學校面對的欺凌與同學打架、電影加強了他與夫人吳繼釗的愛情故事，加插了一段颱風中下繼釗（林鳳嬌飾）到鄭豐喜（秦漢飾）的宿舍關心他的情況，二人排除萬難堅定要在一起。還有的是後來鄭豐喜患癌與死亡的戲份都是電影才有的，電影在1978年拍攝上畫，當時是鄭豐喜去世後三年，中影與吳繼釗簽下版權得以成事。在書中吳繼釗寫到只要能助丈夫成功，她願意犧牲的高尚情操。健全人嫁給殘疾人受了家人的壓力，繼釗對丈夫的愛是真愛。鄭豐喜因肝癌逝世，終年31歲，留下一對女兒，在他死後電影與書籍的出版交涉都由繼釗負責，他生前成立了基金、鄭豐喜圖書館，直到現在仍然是有影響力，書籍是一本家喻户曉的作品。雖然鄭豐喜去世四十多年，他的遺孀仍參與行善與幫助殘疾人的運動，身體力行。

吳繼釗

鄭豐喜

坦白講對台灣片認識不多，特別是久遠年代的，翻查資料才知道他被譽為是台灣電影教父，擁三個金馬獎最佳導演，七部最佳劇情片的殊榮，拍這瓊瑤小說改編的作品、亦拍過香港馬氏影業的電影（東方日報家族）。作品以健康寫實為主，大致了解一下李行的生平，要完成全展就要看日後的機會了。2021年，李行導演與他常合作的編劇張永祥分別以91歲與92歲高齡仙遊。二人分別獲得金馬獎的終身成就獎，地位超然。

影評人登徒在分享上提到《汪洋中的一條船》在七十年代的台灣的影響力，當時台灣被踢出聯合國，政治形勢不明朗。台灣的總統真愛看書，無論是蔡英文在網絡上亮書單，昔日蔣經國也注意到這本書與鄭豐喜的故事，本書的原作為《汪洋中的破船》，是鄭豐喜投稿到報社的散文，及後在各路人士的鼓勵下成為了這十二萬字的自傳。而蔣經國特意致涵為這本書賜下新的名字，以尊重鄭豐喜殘而不廢，力爭上遊的精神。一個小小的國民能獲得如此厚待，書籍多次再版，更成為台灣小學生的讀物。談到這部電影，有幾幕值得一談的，在戲中以風暴交待了劇情，五哥對豐喜的救命之恩、繼釗對豐喜堅定的愛，意味豐喜經歷過一場又一場的風雨，這些戲份都拍得很紮實，以風雨作時間線與分水嶺。

在電影裡同學都知豐喜的單車被偷而送他一輛，這段戲是感動的，在小說裡他經歷一次又一次的障礙都是有人幫助度過難關，既是出於同情，也是出於他的經歷與上進心。十歲才讀小學，成績名列前茅，家境環境差，他不能走路就爬去上學，終於到二十歲才有義肢。在學期間苦學成才，貢獻社會。在這段戲看到鄭豐喜的人格魅力，深受同學愛戴。另外是電影裡的臨終的一段，穿插著鄭豐喜在彌留與村民祭天廟會祈福，整個過程就好像是循環，生與死、希望與終結交替，描寫生命的唏噓與無奈。

鄭豐喜死時31歲正值青壯年，大好青年，在當地社會具影響力，以至本書得以繼續出版，而在書中有不少提到他接受訪問與捐助的事跡，在書籍出版後成為了當地的傑出青年，社會的模範。鄭豐喜由一個鄉下人成為國民皆知的勵志人物，其後亦改篇過電視劇，不過看似是哭哭啼啼的改編，不值一提。而我們需要正念的時候可以旁觀他人的事跡，得到啟發。在書中鄭豐喜是個有才華的人，雖然他比一般人遲上學，在演講中甚為出色，但因為殘疾而被校方打壓而不獲參賽資格，但後來他成為演講家振奮人心。又例如在他多次的失學危機都遇上貴人籌錢，家人籌錢完成學業，某程度上也有幸運之神的庇佑。本來他討厭家鄉帶給他的譏笑與苦楚，但最終他選擇回家鄉教書，身教回饋鄉民與下一代。他的成功勵志背後是經歷很多磨練、不公，同時因著他的際遇而苦盡甘來。

鄭豐喜的童年生活過得悲慘，一出生媽媽就想弄死他，深怕孩子以後的日子不好過，家裡兄弟姊妹眾多，但媽媽日後還是花金錢不斷帶他求醫，也是有愛的一面的。六歲那年，媽媽將他賣給了流浪藝人，在路上過著顛沛流離的生活，流浪藝人死後他曾遇上婦人的照顧，但被視為災星而被拋棄，年幼的豐喜早就飽嘗人間的風霜。繞了一個圈才回到家裡，與五哥養養鴨子、在田裡挖蕃薯、烤田螺、捉蝗蟲，過著貧苦的生活。在書中大部份描寫他童年的日子與回憶，童年的自卑、孤獨、家人與周遭的人的冷言冷語，去到學校受到欺凌，意想不到的是他有能力反抗還擊，而且痛擊傷害他的人，所以要記住人不可貌相。

在這本書裡面看到他是一個很靜的人，他的世界很寂寞，家庭八兄弟姊妹關係有點疏離，在家裡又有點吵鬧。他的成長環境已經不好，得不到理解，有種天生天養、自生自滅的感覺。令人欣賞的是他並無流露出怨恨的想法，相反他很努力生活，與自然環境、與不可抗力共生，所以這本書與電影有成就是代表了五、六十年代的台灣社會的貧脊，眷村的生活、底層默默向上遊發奮的故事，是台灣社會具有時代與代表性的小人物。在書本裡的文字與經歷都是出至他個人的第一身想法與心態，以二百多頁牢牢說出他前半生的經歷，當成是生命歷程閱讀。個人認為這本書最大的意義是助人助己，鄭豐喜比喻自己為破船，在他身邊幫助他的人是他的燈塔，扶助他在汪洋中航行。電影版更強調風雨與他的漂流，更切題。而看小說只是深化對鄭豐喜的了解與電影的改編，人物更加立體。

在看完電影與原著後，有幾點要思考，首先是當時的媒體的報導使到鄭豐喜的故事受到關注，得到了不少市民的捐助，其次是我們對殘疾人的態度往往擺錯了心態要同情他們、要比較殘疾人與健全人之分。當然鄭豐喜的故事是勵志感人，但是很容易就墮入賣慘的想法。李行導演與編劇的強處是將一個主旋律的故事，寫成生命的消逝與無奈，在電影最後嬌妻繼釗對女兒的痛罵，一個本來理性的人也變得不理性了，畢竟我們是人。在書裡對繼釗與娘家的描寫不太多，有不少評論都認為繼釗嫁給殘疾人是偉大的，畢竟我們看人都會有標籤。其實拋開殘疾人方面，鄭豐喜也只不過是個普通人，只是有一點不良於行，他的智力是正常的。當他裝上義肢與成長故事得到媒體的廣傳，成為了當地的勵志助學的故事，在當時社會成為佳話，媒體功勞居功至偉，而他選擇取之社會，用之社會，由爬行的故事到直立人，就好像一個奇蹟，不可能的誕生。

今時今日看這部電影與小說，別具意義，特別是電影的文學元素與改編都是健康正直，每個人物、包括鄭豐喜的人物性格都是正面的，值得一提的是片裡加插到黃花崗七十二烈士之一的林覺民的《與妻訣別書》，戲裡以這篇文預示了鄭豐喜的死亡，將林覺民寫給陳意映的信作楔子引伸到主人翁的夫妻的一往情深，亦代表了當時的家國情，林覺民的愛國情操借代台灣當時的國際地位，《汪洋中的一條船》成為他們當下的文化標竿與精神的寄託。如今經過八十年代，台灣的政治、民主、經濟發展，不再是汪洋中的破船。反之，香港的電影欠缺文學的深度與視野，要拍一套勵志而不煽情的電影，如何鼓勵香港人振作而砥勵前行，不去消費個人的不幸遭遇，個人認為這部電影與小說對華文社會皆有借鏡之處。

《時代革命》一在艱彌厲 願爭拗遠離香港

 台灣是紀錄片《時代革命》的發揚之地，金馬獎將最佳紀錄片的獎項頒予香港的禁片，又有出版社著書。台灣的媒體更為此拍了紀錄片介紹這部電影與訪問周冠威導演，最近英國的香港電影節反應熱烈，電影透過全世界港僑的協助作全球的聯合放映。同一時間這部電影衍生了幾件節外生枝的事情，先是有部份關係人士要求出席映後談收錢、然後是協助放映的僑民搞手與一些KOL之間的衝突。正當電影放映如火如荼又爆出歌曲版權錢銀上的爭拗，還記得三年前的不割蓆、不分化嗎？看著一系列的事情令人傷心，當下香港已經逼得透不過氣，還要誅心論與計算，將一些雞毛蒜皮的事情放到網絡公審。

早前見字飲水被註冊成商標，一些口語、無聊字句也是商機。香港人嘛，搵錢至上。粗俗講食屎屙飯也可以是商標，問題是有沒有錢與閒心去做。《時代革命》在海外放映讓外面的人了解香港發生的事情是有必要的，特別是它是一部有血有肉，以香港人為視角的紀錄片，而不是外國人來香港不咸不淡，隨便拍些衝突場面就完的影片。為拍這部片周冠威付出了很多代價，被捕的風險、家庭的壓力，他自己是一位爸爸、別人的丈夫，他更因為這部戲失去了拍新電影的企劃。在去年八月的一個私人場合播放《幻愛》而有政府人員踩場票控限聚令。在香港或許有人跟縱他，有些怕事的人向認識他的人施壓，叫他們不要跟周冠威在一起，怕惹事上身。只要提到周冠威，聞風喪膽。

發生很多事，周冠威依然堅強向外面的人展示勇氣與承擔，然而影圈的大多數人也不敢聲援靠近，只有少部份人送溫暖與他同行。最近《願榮光歸香港》的歌曲版權爭議，在電影受到海外關注而引起創作團隊的虎視眈眈與批鬥。無錯，版權是重要，知識產權要尊重，而團隊亦願意支付利益，三萬元的要求也算合理。三年前歌曲唱到街知巷聞，假如當時要為了錢，大部份人都願意資助團隊創作。周冠威拍攝的機緣巧合與歌曲創作團隊的初心也不需要質疑的，但現在《時代革命》的團隊無論從個人、發行的利潤、程序都在艱難時，好不容易在英國有院線的青睞就惹來自己人的內鬥。中共與建制派從中作梗分化、帶風向，真要講句共產黨最開心。

回想19年的反修例運動，不同界別的人都有付出，不得不否認《榮光》團隊也是受到打壓的人，現在在街上列為禁歌，更遑論光復香港那八個字。《榮光》在當時有鼓舞、振懾人心的作用，意義遠超過金錢價值。《時代革命》的誕生不容易，有很多人無條件將一些影片的版權送給周冠威，為的是紀錄這一件事。拍紀錄片大多數不是為賺錢，而周冠威為了這部片又欠外界一筆數，很需要體諒。當中需要的是大局為重，齊心為這部戲好，爭取外國觀眾與平台的好感度與興趣，令電影回本之餘，能夠幫到獄中的人回到社區，幫到2019年受到牽連的人。

                                 

《時代革命》的團隊一心無償為電影找出路，這一切不是必然的。在英國的片商看到反應好可以公映，但香港的院線多努力要播有心的紀錄片，換來的是風險。本身這部電影是弱勢的，相信參與的電影的工作人員也很想有credit，但無奈時勢不容許，會換來被捕的風險。目前影片可以做的是呼籲外國人入場看，既可以壯大海外港人的議價能力，讓香港的電影建立品牌，進軍當地，這部電影不再是單純的電影，它是一場Campaign、一個Movement。倫敦的香港電影節帶了一些香港的獨立電影過去，過去在香港是小眾的、沒人認識的，在獨立電影節不再獲得場地的情況下，海外的人成為香港人的眼。

紀錄片的功能是紀錄已發生與正在發生的事，是歷史的見證，不是為私利而生。在香港的人已經沒法行使看電影的自由，早已是二等公民，實在不應該討論誰是誰非。最近紀錄片張虹與她的丈夫離開了香港，在一個訪問中提到即使在海外也會受到內地有關部門的關照，知曉她的背景。為免麻煩他們只好停辦香港的華語紀錄片節與采風電影的運作。到底會有本地又有多少紀錄片工作者、記者被國安監視與拘捕？令人擔心的是香港紀錄片與寫實的東西何去何從，如何排解2019的抑鬱與之後積壓的情緒。其實我們都很需要出口，請多點諒解，不要再挑起事端。

而此刻不斷放大爭議，其中一方最新的回應要求是要電影停用歌曲，而這首歌的意義早就超越了作曲人的傳播能力，在市民心目中賦予別的意義，歌曲由小我變成大我。過去幾年一直有不少人無償付出、自資拍片，為的是紀錄香港的變化與所見所想。隨著李家超成為下一任特首，人心惶惶，政府拘捕何韻詩、阮民安（不論喜不喜歡他們也好），隨時有機會拘捕周冠威與DGX團隊，快必說幾句話就仇恨政府，現在是“煽動性”的電影與歌曲，有一日大家都去坐牢就不再有爭拗了，是不是大家樂見的畫面？

《時代革命》以外，去年有些短片因電檢條例被禁播。希望香港人珍惜一下身邊人，珍惜2019年一往無前的氛圍，珍惜大家共同擁有的記憶。

【金馬得獎作】打死不離一家人：從太空來的《美國女孩》（American Girl)

  《美國女孩》這部戲未上映前在亞洲影展（金馬影展、東京國際電影節）早已獲得注視，在金馬影展奪三獎，觀眾票選大獎。阮鳳儀從素人一躍成名，在拍長片前短片《姐姐》在HBO的短片比賽先聲奪人，帶著台大畢業的作品《抹片檢查》到美國電影學院拍出《姐姐》，再擔任了其它短片的制片人，一步一步成為金馬的最佳新導演。《姐姐》(Jie Jie)的大綱與《美國女孩》成對照，兩者是姊妹篇的作品，前者是導演在1997年移民到美國，摸住石頭過河的寫照，後者是回流台灣形成中外的文化衝擊。阮鳳儀的背景是特別的，對美國生活進進出出，成為亞裔美國人，但她不認為自己是美國女孩還是台灣女孩，兩者都局限了身份認同，電影成為了她的救贖與治癒的東西，由《抹片檢查》由自身的體驗關心女性健康，到《姐姐》是親身經歷，《美國女孩》關注的亦有延續過往的母體，移民、女性健康、家庭、母女。

阮鳳儀：由文青到導演

  另一邊廂，林書宇以《百日告別》（2015）描寫喪妻之痛，在戲中林嘉欣飾演的婦人的故事與他的原形萍水相逢，林書宇用創作跟愛人告別並帶出陪伴的必要，今心，念。思念是一直都存在，這次林書宇監製《美國女孩》與阮鳳儀的經歷有相似之處，二人小時候也是有兄弟姐妹，曾經在美國留學再回到台灣，一樣有文化上的水土不服，最終二人考上大學再出國修電影，也可謂是前輩幫後輩。以女性筆觸寫家庭的崗位，戲裡兩姐妹方郁婷與林品彤一位理性與感性的對比，而現實中導演與妹妹的關係互補，妹妹鼓勵姐姐拍電影資助她，在修改劇本時提意的元素構成這部電影的原形，體現到家庭的溫暖。藝術源於真實，源於交出真心，縱然是戲劇但真誠沒法子騙人，表面上電影的設置很簡約，四個角色，但他們要面對各自的生活、互相抽離又互相捆綁，內裡有不少衝突，同一時間發生很多事情，但選擇不以煽情的手法都逼出眼淚，是在於同理心與自省而來，值得借鏡。令人流淚的電影不一定是好電影，令人產生想法、消化而吸收氧氛的才是好電影。

  以新導演來說，阮鳳儀的編導作品選角與鏡頭的帶動是相當高水平，在華語世界只有台灣能夠有本錢與心思創造這種家庭片，這是台灣電影的海歸派在中西文化間創造的文化語境，一種真摯而慢慢的紀錄、在傳統價值與現代之間的撞出來的。由李安的家庭片演變與吸收，由台灣到美國，到現在要由美國回到台灣，建構出兩地混合的身份。目光與成長有別一般導演，而兩者是溫柔，體現到承傳。而阮導個人也看不少家庭片取經，如《伊朗式離婚》、是枝裕和、達內兄弟的電影，第一部電影以自身家庭為出發點，各人在媽媽患癌的事情上泛起生活中的小波折，但都靠著愛而成長、包容與接納大家的不同。家人的確是麻煩的東西，又愛又恨，但卻是骨肉相連，在看完這部戲後鬆了一口氣，阮媽媽捱過了癌症存活下來，一家人可以看這部電影見證女兒的成就。如何衡量一個人是不是好導演，感受電影的誠意就知，阮鳳儀有機會成為大器，成為台灣女導演/作家的標誌人物，成為亞洲女導演的明日之星。

阮氏母女

                                           

  電影未上映就很期待，也許是導演關心的東西與價值觀觸及到個人層面，在映後談聽到導演說喜歡文學，在準備這部電影前看過西西的《哀悼乳房》，對她的愛、對電影的愛就更加昇華。阮鳳儀提到她喜歡閱讀，看女性主義的著作，而戲中的芳儀是她的影子，在美國回流到台灣的芳儀，國文成績不好到進入台大中文系，然後受到啟蒙拍片、學習電影，在美國電影學院漸露頭角。電影背景設定在2003年，不約而同有幾部港片也提到2003年的沙士，台灣亦有影響，爸爸的生意要來往兩岸，台灣也擔心病毒傳入。而現在全世界面對疫症，困在家裡的家庭有他們的困擾，影響力比沙士浩大。而在這個時候芳儀的成長與我們也相當接近，電影裡大量周杰倫的音樂，《安靜》、《開不了口》、F4《流星花園》、SHE《美麗新世界》在香港爆紅。在那些年的台灣陳綺貞的小清新形象的興起，在《美國女孩》片尾出現她的新作《盡在不言中》，都是回憶與情愫，在網絡時代用MSN，用無名小站都是八九十後的回憶與時代產物。因應疫情，電影僅用了28天拍攝，期間林嘉欣要隔離，一切都是巧合。以2003為背景回看歷史，描寫青春期的躁動，也回顧了導演一家人的故事，導演認為她在創作過程是治癒與賦予了一重新的意義，在崩離的情緒中重組與轉念。

  不諱然地說，對《美國女孩》有一定的偏心，就是在選角上，轉眼間林嘉欣在電影圈打滾20年，由第一部《男人四十》演的清純學生妹到醜化的《怪物》，拍港產片的她與拍台片是兩個世界，在香港她永遠也找不到一個拿影后的角色，而台灣可以給她這片空間。靜靜拍電影，《百日告別》獲得金馬影后實至名歸，在《美國女孩》自身有當媽的經驗，當起兩個小孩的媽媽相當勝任。《美國女孩》四位演員，兩位大人帶著素人小孩入戲，四位的喊戲、感情戲、爭執位的排戲與鋪排十足一家人的日常，投入感相當高。

林嘉欣就是正妹😍

我們都是這樣長大的

  有時電影要表達的東西很簡單，是生活化與普世價值。家家都有本難念的經，瑣碎的事也可以轉化為劇本，成為大家共鳴的事情，一家人吵吵架，小時候被父母體罰、摔門、騎自行車、吃爸爸不知所謂的料理，各種埋怨、大約在戲裡芳儀的年紀媽媽曾經要入院做手術，每一樣也似曾相識，當時是如何渡過的？明知爸爸工作辛苦為何不懂事怨他煮的東西難吃，現在明白少不更事，到長大後家裡出現問題，就更明白長輩默默撐起這頭家，肩負起責任。有很多東西要長大才會明白自己多幸福，看《美國女孩》難免有情感投射，不再單純是一部電影，而是說生命的無常與入世，亦是很多家庭的寫照，一家人埋怨過去仍然會生埋怨，討厭誰誰誰，然而當事情發生後大家會有轉變，患難生忍耐。與導演是同代人，即使在不同語境下也會有共鳴，成長的苦楚，不同年代的會觸碰到。

  《美國女孩》的優點是攝影師捕捉到氣氛與神髓，這個家的關係是複雜的，媽媽與女兒回台灣重新適應生活，久未生活的夫妻要習慣同床異夢，為了女兒而在一起。婚姻在破裂的邊緣，但同時為了兩個女兒又不能離婚，被責任綑綁，關係淡了，到底是愛還是責任？同一時間在電影裡發生很多事情，芳儀、芳安在學校的適應、爸爸公司的問題、媽媽面對乳癌的堅強與她也有軟弱的一面，很多事情都沒有答案。芳儀表面上不解媽媽，但在她這年紀要她生性、完完全全當一個YES GIRL而失去這個年紀應有的生活與對未來的憧憬，是沒可能的。亦不可以一口咬定女孩的自私、自我、她也有理解家人的一面，但她亦有排解不了的心事。家庭裡一個人生病，沒有人可以獨善其身。不習慣做的事、家務、通通都要有第一次。在戲中林嘉欣飾演的莉莉是個堅強的人，在做完手術後很快回到家裡重掌家事，打掃、煮飯，盡母親的責任。她的美國夢碎了，難道她又安樂嗎？對爸爸來說，久未見面的女兒回到家也有疏離感，孩子長高了也不知道，媽媽一直強調女兒要在家裡跟爸爸說中文的隔膜。

  芳儀成為了「太空人」，以前香港出現移民潮居於兩地的家庭就叫「太空人」，芳儀、芳安一下子回到地球了，要面對文化衝擊，首當其衝是身份標籤，就連老師也有排外心態，美國女孩在學校被老師強調自己的身份，妹妹在街頭被補習班的同學嘲笑，在文化背景上格格不入。同學在聽流行曲，芳儀說英文、看外國雜誌，在食物與習慣上由吃雪糕、漢堡到後來吃八寶粥的演變。在學校裡由資優生到低分的問題學生，從外國自由的校風到保守校園，在學校本來有思婷為好朋友，但成績原因被家長阻止交友。個人最喜歡的一場戲是家長會上莉莉為女兒說的一番話，家長挺身保護女兒；然而女兒卻在文章中寫到討厭她，叫媽媽快點去死的氣話。芳儀心裡很想媽媽留意她，但家裡太多瑣事又要照顧妹妹的感受，兩姊妹間亦有衝突要化解。媽媽一個人去做化療獨自面對，不忍與女兒分享當中的痛苦，為母則剛，嘗試維持家的秩序。在這個家已變成Dysfunction的家庭，問題少女離家出走、患病的媽媽、面對生活壓力無從抒發的爸爸。電影在每個人身上都有一大片留白的地方，苦樂參半的混剪，一時與媽媽吵架，一時去吃新地雪糕，展現愛恨之間的混集，沒有無緣無故的恨，只有面對現實，哭過恨過就要前進。

  對莉莉來說回去台灣是對是錯，無從稽考，但一場疾病讓一家人重新聚在一起。在戲中爸爸的角色是主外的，在外面賺錢養家，盡量滿足女兒的慾望、買單車、買梳妝枱，是女兒心愛的慈父。爸爸在戲中受的壓力也太大，要到內地出差，在公司有工作壓力，回家還要看太太與女兒的面色。在結尾一場哭的戲份大解放了，雖然最主要寫的是母女關係，但爸爸的支線看到忍辱負重，爸爸媽媽縱有不一樣的價值觀，但也和平共處。每個人在自己的位置上看事物也會有盲點，只看到自己，莉莉對死亡感到恐懼，但她有這個想法時第一時間也想到女兒。她知道女兒的想法與心事，但當下是無能為力。

  幾場吵架的戲、掌摑也是出至於愛，正所謂打者愛也，情急之下也是人之常情，相當精彩與釋放了壓抑的感受。於是展開了反叛女兒的逃家，喜歡這部電影的不慍不火，父母對於女兒逃家的擔心與體諒，沒有責備。戲中的留白使到電影不流於電視劇廉價的狗血劇情，沒分是非對錯，女兒認為媽媽不夠努力是她在家裡聽得太多氣話，但她是明白、對媽媽愧疚。其中，值得一提的是學校的部份。班主任鼓勵芳儀寫文章表達自己心裡的感受，並參加演講會，最後有沒有演講已經不重要，最重要是打開了芳儀的心，電影以兩母女相擁作結也是以愛封緘。

  電影是導演私密的家庭電影，將自己家事搬上大銀幕不是新鮮事，加拿大導演Sarah Polley的紀錄片《Stories We Tell》（2013）角逐奧斯卡紀錄片提名就拍攝自己的身世，父母另有其人。將家事化名，轉換角色作文本創作，有助抽離，再加上另一位編劇李冰的合作，才有姊妹間的火花與電影需要的元素，增加戲劇元素，將戲劇效果結合。《美國女孩》的穩打穩紮來至長鏡頭的運用，特別是母女爭執的場口，在美式餐廳一段的長鏡頭帶著孩子入座，由遠處的客人透視餐廳的格調，實現了兩位女兒的願望。電影鏡頭與演員保持距離，不煽情、不需特寫、不去誇大窺探別人的內心，是令人舒服的電影。

宗教、傳統與動物

  在戲中宗教與傳統也是中西方交匯的元素，家裡的觀音像換成十架，拜得神多自有神庇佑？在莉莉初到美國接觸到基督教，在戲中她打算受浸前最後一次燒了些紙錢給父母，芳安問到那公公婆婆日後會很窮嗎？一句童言無忌的大智慧。這一切就是宿命論，沙士在世界肆虐，而這段時間女兒發燒，要在醫院隔離，左右為難，亦是天注定的考驗。回到台灣不只要面對文化的適應，在傳統觀念與新思維上存在矛盾，禮教與框框是人設的。

  在這部電影的優點是一家人的價值觀不盡相同，宗教的不同、父母對待女兒管教的方式不同，爸爸對女兒千依百順，媽媽是倔強有原則的，做到和而不同去維繫家裡，與一般華人家庭的嚴父慈母，要很傳統的不同。戲裡面喜歡爸爸的角色，也許男人不擅長說自己的心事，盡量不將壓抑的情緒在家人前爆發，抽煙是他獨處放空的私人時間。當他要面對莉莉的負面情緒，規劃死後的計劃與心願時，他就會逃避與不願面對，堅信一家人仍有將來。一家人墮進情感的進逼，家人是麻煩的東西，氣話裡滿是對家人的愛，麻甩的愛、憤怒也可以是愛，愛是一體多面的。

  戲裡的動物，馬的出現與芳儀的自我救贖是神來之筆。阮導在訪問提到寫到第四稿時，她問親妹妹的意見，妹妹提議她加入馬的元素，因為她喜歡馬與屬馬，於是有了Splash的出現。Splash是芳儀響往是寄託的東西，代表美國夢，但在台灣沒機會再遇，於是她出走去尋找失落的東西，遇到一匹外形像Splash的馬，她撫摸牠，嘗試控制牠，但事與願違要覺醒起來。Splash永遠不會回來了，美國夢要完了。導演提到最初希望是可以騎馬的，但最後危險與要練習而放棄。除了馬外戲裡出現鳥，芳安餵鳥吃東西，有些片段很瑣碎，兩姊妹之間亦會吵架，一家人在愛與痛的邊緣來回，節奏控制喜樂參半，到推到後段的高潮。一家人遇到事情愈戰愈強，再聚在一起與釋放了大家的壓力與負重。

感恩的心

  《美國女孩》是一部好電影，影評人誇獎為超越很多人的首作，在戲裡看到幾樣東西，為母則剛，為父的平衡家庭亦令人心痛、擔憂的角色。芳安的早慧與洞悉世情，在電影選角上故意找年紀與芳儀有差距的，帶出妹妹的理性與姊姊的任性。思婷跟芳儀說了一句話也是有道理，「也許媽媽真的很努力了？」對的，大家都很努力，世界不只是你有煩惱，至少在這部電影看到家事一點也不無聊，有普世性，少些埋怨，在家人角度易地而處，體諒，化解怨恨，享受生活才是王道，景隨心轉，心存感恩。倒是感謝阮導拍了部有溫度，感性的作品，沒有過去，沒有現在與未來，迎難而上。

延伸閱讀：《百日告別》https://movieforestlitmited.blogspot.com/2016/11/blog-post_26.html

雨傘運動七年祭：《九月二十八日晴》

 七年回首，百感交集，對個人、對家庭、對香港、對將來依然充滿一個謎，香港的情況愈來愈差，對大家也是一個心理上的考驗。曾經左膠與本土的矛盾，尚且一笑泯恩仇，從2012年香港出現一波由中學生帶起的社運到現在多個團體組織解散，沒人會想過會連根拔起，同時亂世亦出心智強大的人，如支聯會的鄒幸彤。七年，社會上警民關係交惡，從以往左膠為警隊撐傘到有警員因事故意外而殉職而出現的「慶祝潮」，正是世上沒有無怨無故的恨。香港人在金馬獎兩奪最佳短片：應亮的《九月二十八日晴》（2016）與郭臻的《夜更》（2021），奪獎都不是興奮的事情，而是香港之「恥」。若不是政治事件刺激要回應社會，更多是回應自己的內心才會拍成這些作品，諷刺的是現在香港封殺歌手、封殺電影，即使不是新電檢制度下在防疫也能玩殘觀眾與主辦方，可是愈禁愈阻止不到創作與滋生的仇恨，從而產生巨大的意志，何韻詩最近的網上音樂會就是一例，在汗水中傳遞力量，回歸音樂的初心。

  雨傘運動後，不同立場的電影人也交出了自己的紀錄片，《亂世備忘》、以天琦為拍攝對象的《地厚天高》，甚至《點五步》也剪影了雨傘運動的片段紀錄年青人與青春的展影。還有預言作《十年》也見證了新一代的想法與想像。當初雨傘運動的大學生也出社會，夏愨村的中學生也讀完大學，時間催人長大，雨傘運動後太多責罵聲，社運一度減退到後來反修例運動新年青人的帶動，就連昔日的學運領䄂黃之鋒也比下去了。也許現在的香港真的很差，我們在外頭的人尚可呼吸一口空氣，等待風再起時，又或者一同與這個城市步向餘暉。歷史洪流改變，吞併與佔領，東西德可以統一、蘇聯可以解體，沒有東西是永恆不變。

   2014年9月28日，難以忘記。當時年青人一知道發生了事情，有很多網友都外出支援，雖然也幫不到什麼，早在9月26日學生佔領公民廣場，拘捕學運領䄂。27日，出現零星的警民對峙，28日下午兩時多當時任特首梁振英開記者會，市民成功佔領夏懿道，警方一共在港島區發放87枚催淚彈，佔鐘、佔旺、佔銅最終敵不過法律手段，最後在同年12月中清場。縱然佔領運動有左膠基因，要和理非，但旺角的確變成了公民講場，是少見的城市論壇。對香港人而言，雨傘未必是徹底的失敗，而是思想的萌芽與啟蒙。在反修例運動發生後的年半，香港就有上短片觸及紅線而被禁播與要求整改，郭臻的電影已在內地網站被遮蓋，儘管他以前拿過內地影展的獎項，但無阻年輕人試圖抒發他們的情感與敘述發生的事情。當可以創作的時候就把握機會，當可以放映就把握機會看下與記錄一下，這是可以做到而微小的事。

   應亮拍攝《九月二十八日晴》是他在香港的第一部片，故事取材陳慧的兩篇短篇小說串連起來，以家庭關係描寫一對父女關係，家家有本難唸的經，老父（張同祖飾）有四名子女都各自離家，關係有點疏離，二女兒回家得知老父要搬到老人宿舍，剛好有外展隊探訪激發起女兒心中的妒忌？老父如實對外人說起家事，小女兒不耐煩要糾正，同一時間香港正發生佔領運動，在大時代的背景下講起世代、講起家庭，講起兩代人用自己的方法去守護孩子。二十五分鐘的短片由家庭出發講到一個家的回憶與味道，看似平平無其，最後一句雨傘運動爆發，年輕人帶著義憤去支援，甚有江湖意味。一句「陶玉然，我來保釋你」，看到爸爸對女兒的信任與愛護。兩代人在大是大非上是可以團結，沒有廢老與廢青。在小問題上有爭拗但也可以包容忍讓與磨合。

  往後社會分了立場，甚至有家長趕小朋友出街，家庭關係猶如薄紙。2014年的香港尚且可以外出遊行聲援，只要不在前線起衝突，一般也不會被捕。2019的香港隨著局勢發展，很多人都怕去潛在衝突的附近和提早回家，可見震懾力的威力。單是被帶去警署扣留48小時已經嚇怕很多人，政府還可以隨意起訴。再回想2014年的香港很傻很天真去爭取一件不會得到的願望，現在連投票權與制度也被沒收了。昔日藝發局資助獨立電影，到現在新香港之下已不會再獲批，即使在新香港下願我們也記得七年前的事情，想想自己的初心，We will be back，是抹不去的風景。

【生死疲勞】思念是一種病．《百日告別》

最好的故事是源於真實的經歷，面對同電影一樣失去摯親的經歷，導演林書宇就經歷過，雖然不是什麼光彩的事，但電影雖然是虛構的但也有真實的一面、日常的一面。這使《百日告別》在情感上是一部好作品，正因為它有同理心、有人性的真善美與瑕疵，所指的瑕疵並不是電影的毛病，而是人與人之間那種複雜但又共通的點，但每個人都不可以要求別人為你做太多，但人總會分誰好誰壞、關心也是會有冷漠的、甚至只是掛在嘴邊比較隨口的關心。接不接受就要看個人的看法，畢竟沒可能做到人人明白你的情感、你的想法，對於現實的無奈，大概要學一下景隨心轉與隨和一點，讓自己多一點同理心。《百日告別》之所以感動人也是同理心，兩位主角喪偶後走進新的狀態，未知的、混亂的、生活的新階段早就開始，但上帝卻回收了眼前美好的一切，林嘉欣演的心敏要結婚了，石頭演的育偉要有新的生命，但通通撲空。

  面對一下子喪失親人會迷失，真正的痛並不是當下，而是往後接受了事實後才會有的孤獨感。思念是一種病，導演以寫劇本為悼念親人的儀式，他在訪問提到會把那個人永遠放在心。拍電影是為自己釋懷、鼓勵同樣的人、去認識死亡、接觸死亡、不忌諱去談生死、去放下但仍然要記住、去記住但不能沉淪於悲痛、去關心而不是寒暄。電影裡可以令到主角釋懷、感到安慰的人都不是他們的家人，而是通過對身後事的處理、瑣碎的事情令到主角們看到亡夫/亡妻的啟示，令他們相信與心安理得。電影是很注重細節與人的關係，比如心敏在未婚夫離世後與他的家人有疏離感，除了往後是未婚夫的弟弟有交集外，基本上未婚夫的家人是冷淡的，在靈堂上甚至不當作是家人。而育偉的太太是基督徒，但她的家人下不到決定所以無法尊重她的信仰。人生已經走到終點，不完美，到死後還要成為別人吵鬧的對象。就這樣各自喪偶的一男一女參加百日的法事，經過了頭七、三七、五七、七七、相信鬼魂輪迴了、亦經過面對死亡的幾個階段。憤怒、自責、消極、接受、重生，情緒的過渡期有先後次序，男女主角因人而異，但他們有共通點，就是有一段時間曾嘗試自殺，不願承認愛人已離開。

  男的經歷過性愛的放縱、怨天怨地、質問上帝、女的去了沖繩完成未婚夫安排的行程、過程中感覺他在身旁，從沒遠離。但旅行終究有完結的一天，回國仍然要面對往後的生活，看似一臉堅強實則柔弱女子。女人用旅行當作儀式去紀念未婚夫，男的到處去太太的前學生處還學費。其實當中發生的事情都是小事，有些對白微不足道卻很重要，大概是一份同理心與尊重，也側寫了二人的生前的刻劃。而最後的公映版刪減了一段戲，就是心敏與未婚夫的弟弟有一段床戲，導演最後刪走是深怕華人觀眾反感，但其實這段戲的目的是讓對方感受到未婚夫的氣息，那種熟悉的氛圍與感覺讓他們親近。

  在《百日告別》裡有幾個畫面會有感覺，男方那面一方面很恨車禍的司機，但聽到死者媽媽的電話傳來的聲音也怪不了多少，失去親人的並不止他一人。第二是他趕走亡妻的學生，而後來從那個女學生身上領受到妻子對學生的愛與溫暖，會為學生而準備。第三是他到家家户户交還學費，有些人隨便就打發了他，但有一户人叫兒子彈奏歌曲給師丈聽，這或者就是基本的招呼與尊重吧，之後一句對白帶出亡妻才是最好的老師。也許育偉看到了學生的表現，令他知道亡妻有多努力，讓他的內心感到溫暖，又或者是一種責任看著他們成長，從學生身上看到妻子的待人接物，潛而默化。

  至於女方，在沖繩的酒店假裝丈夫在，為了要安全感而用枕頭堆成一團東西。這原是屬於他們的旅行，在路口遇上一個說日文的老人家，老人家說了一大堆東西又送她糖讓她感到有人關心。本來結婚要搬到新家，但她一時接受不了，所以自殺但不果。既然自殺不了，就理應好好活下去，對他們二人來說真正釋懷的是陌生人，前學生彈蕭邦的練習曲、也許是語帶雙關，要育偉好好練習未來的日子、適應日常。心敏從未婚夫的中學老師身上得到一張卡，「花開花落終有時」。他們分別感受到亡者的愛與靈魂的存在，又或者這就是呼叫與回應。人鬼殊途，命中注定。

  電影的結尾有點意思，完成百日告別後，就告別百日。傷口何時會復完，沒人知道，他們不是要忘記而是沉殿一份愛。旅遊巴在山路上駕駛，鏡頭映著旅遊巴落山，漫漫長路寓意出口、寓意下一站。未知的人生正在等著他們，人生無常、悲喜有時、聚散之間、最重要是抱緊眼前人。

  在金馬獎與金像獎上林嘉欣分別有提名，最終在金馬獎憑這部《百日告別》獲得影后寶座，她的一舉一動自然有氣質，也許她是大眾心目中最佳妻子的原形。實至名歸演繹出內心的傷痛。焉知生才能焉知死，從死亡裡發掘到人生的意義，好好過日子，活在當下才是真正的命題。電影不是要宣揚什麼正能量，而是帶出了當中的無奈，百日告別是個紓緩的過程、它是如此的真實、平淡的電影顯淺的帶出生而為人的難處、直視傷痛，把禁忌性的題材轉化為開放的課題，是華語影壇中鮮有的作品。

《爸媽不在家》:我們都是這樣長大的

　 新加坡電影《爸媽不在家》(ILO ILO)是陳哲藝的處女作，一鳴驚人，也難怪連獲多個大大小小影展的獎項。對新加坡電影的印象離不開家庭與成長的題材，最能將新加坡走到亞洲的是梁智強執導的《小孩不笨》，其後當他的作品《小孩不壞》在港上映的時候，也頓時變得無聲無息，更別說他的新作兩部的《新兵正傳》。也許華人社區內不把新加坡電影放在眼內，經常談及的話題都只是中港台，而今年華人社區內必須記住一個名字，那就是陳哲藝。他有一部獲得金馬獎最佳影片的電影，叫做《爸媽不在家》。從此對坡片的印象又可以擴闊一點，對華語電影的選擇可以有待觀望更多。 
　　 
　　 《爸媽不在家》某程度是導演在孩童時期的經歷與寫照，特別是他與外傭的相處。新加坡與香港是很相似的，經濟發達，婦女出外打工，卻又不能把子女丟在家，總要找人代為照顧。要不就送子女到補習班托管，要不就請個家傭看管少主、照顧家庭。在現代，一些俗稱為「怪獸家長」的雙職父母更在聘請外傭時諸多要求，包括要外傭管孩子們的家課、要他們練習英語，視圖利用外傭把子女打造十八般武藝。有些家長甚至是把教育的責任落在外傭身上，是相當的不負責任。 
　　 
　　 在《爸媽不在家》裡，實則講的是外傭見證著一個中產家庭向下流的生活，透過片中孩子的視角描寫出一份跨性別、種族、身份的情誼，此外也講到家庭裡的相處與異鄉人的視野。電影題材是寫實的，拍出來那種感覺是似曾相識的，香港與新加坡同是「亞洲四小龍」之一，生活背景是十分相似的。九十年代請家傭還可稱作中產，而今時今日請家傭也不是難事，也有一些賺錢能力不高的人也請起家傭來，多數是為了照顧孩子的起居飲食。且看香港滿街都是外傭的面孔，目前香港有三十多萬的外傭居港。她們已經成為了城市的一部份。而外籍的傭工們最常到的幾個地方就是台灣、香港、杜拜與新加坡。在亞洲地區裡算是較為發達，而且能賺較多的金錢。 
　　 
　　 在電影裡的家樂已經是十歲小孩，都已經有自理的能力，本來以他這個年紀是可以定性起來，但祖父去世後父母不放心，就請了外傭Teresa照顧他。從最初的抗拒、事事作對到接受與明白，展示出一份人與人之間那種純真的感情。寄居在家裡的外傭並不是陌生人，而是慢慢地成為了家裡的一份子。                        
　　 
　　 但事實上電影裡的爸媽都是每天在家的，只是他們都有各自的工作與操勞的事情，在管教兒子上是操心但又乏力，心裡還是很疼愛兒子，只是不懂說出口。在兒子的成長過程中，父母在家樂心目中難免是「缺席」的，一直以來父母關心的是他的成績，而雙方欠缺了親密的相處。在Teresa未來之前，家樂的大部份時光都是與祖父在一起。而Teresa的到來出現了一種對母親情感的錯置，家樂母親心裡的妒忌寫得傳神，深怕兒子會被搶走。然而，一份工作卻搶走了Teresa在家鄉的生活，捨棄她的家人。本來團聚是人之常情，但是不同的人則有不同的命運，離鄉別井都是為了生活。 
　　 
　　 電影裡的年份設定在九七金融風暴後，但即使今日看來時代的轉變沒有太多的影響，生活依然艱難，孩子在女傭的照顧下成長、父母們對子女的期望更是十年如一日。作為是電影中人同時代成長的人難免會有一點的共鳴，那個年代我們一起玩過的他媽歌池，我們一樣的好奇與佻皮，還有是屬於我們那種孤獨，沒有父母陪在身邊的童年。成長的天空下，我們都一樣在經歷。 
                        
　　 
　　 片裡的家庭實質上是四分五裂的，男人、女人、孩子與女傭都有各自的問題要處理，一家人不能夠開誠佈公的聊天，也許為的是面子、也許總是認為對方不會明白，又或者是深怕別人會看不起自己。一家人的關係未如理想，各家自掃門前雪。家家有本難念的經，女傭的介入展示了她有一個不完整的家，襯托著這一個表面上是完整的家。描寫出外勞的辛酸與所付出的情感與代價，寫出異鄉人的視覺與迷茫。而片中有一點要提出的是，有多少人會認真注視這些外傭一眼，戲中的孩子認為外傭是次一等的，不值得尊重。對於家樂，外傭姐姐是他的照顧者，更是他的朋友，他不喜歡別人對姐姐的不禮貌。現實生活中也有不少人還活在奴隸制度中，現代社會自恃為有教養的人，實質是狗養的。 
　　 
　　 戲裡的命題離不開成長，男孩要長大了，要有經歷與學習照顧自己。家樂的路還有很漫長要走下去，而家裡的生活條件也會變差。這一家人需要的是團結與和諧，新生命要誕生，影片為觀眾留下了希望的種子。生活衰敗，但要心存希望。「希望在於自己」。電影以寫實的手法帶出家庭由盛轉衰的轉變，並擅於勾畫人的內心世界，戲裡戲外都是如此真實而有力，是一部新加坡電影的佳作。 
　　 
　　文/Dorothy

金馬獎開拓華人電影新一頁

金馬五十，風華再現。金馬獎是華人影圈裡矚目的電影頒獎禮，也是最長歷史的，過去都是由港台電影包辦獎項。對金馬獎來說，真正的做到「大中華」的概念是從姜文的《陽光燦爛的日子》(1996年)獲得最佳影片開始，中國電影其後也獲得過兩次的金馬獎最佳影片，分別是高群書的《神探亨特張》(2012年)與陸川的《可可西里》(2002年)。而今屆金馬獎的最佳影片則是「爆冷」，由新加坡電影《爸媽不在家》以黑馬姿態獲獎。

                    
而這次由新加坡電影獲獎是很歷史性的一次，對華語電影的詮釋可以再擴闊一點，而不再是只把目光放在中港台三地，把目光與對華語電影的構想可以放遠一些。而馬來西亞、新加坡的電影都應該收歸到華語片的一類，再更遠的甚至是歐美的華人以華語作品都是我們的華語電影，不應該拒諸門外。而《爸媽不在家》的獲獎證明的是小成本的作品也是有它的感染力，華語是我們共通的言語，縱使大家的國籍不一，但仍然是親切的。《爸媽不在家》的獲獎有人歡喜有人愁，但金馬獎此舉頒給一個處女作電影是大膽的。不計論資排輩，只計電影反映出什麼。評委會主席李安稱他最愛的始終是《郊遊》，《郊遊》僅一票之差輸給了《爸媽不在家》，而評委們也經過了四輪投票得出結果。而《爸媽不在家》對於新加坡的電影發展與華人影圈的構想是有歷史的意義，意味著進步與不可少看別人年青，為頒獎禮注入活力與世代的更替。

侯孝賢的金馬主席任期也正式的完結，且看接任的張艾嘉會有那些的想法，又會否有那些特別的女性視覺繼續帶領金馬獎走到最前。而最佳導演與最佳男主角方面則由《郊遊》包辦，蔡明亮的偏鋒未必得到觀眾的熱愛，且看今年的威尼斯影展觀眾的感想就是電影很悶，很慢，電影需要想像的空間，也要有魔力。其後，蔡明亮宣佈退出，並對台灣電影「死心」。耐人尋味的是他七年前也與金馬獎曾經吵架，其後和好。而這次的獲獎則是對他遲來的肯定。而他御用的演員李康生也獲得最佳男主角的殊榮。

評委會主席李安

至於最佳女主角則由章子怡憑《一代宗師》獲得。《爸媽不在家》除了得到最佳影片的大獎外還獲得最佳新導演、最佳電影原著劇本與最佳女配角的獎項。而事實上獲獎的楊雁雁應該是戲中的女主角，似乎這點對她本人有點不公平了。

【鹿死誰手】金馬獎大惡鬥 有看點 不簡單

在金馬執委會主席侯孝賢的宣佈下，第五十屆金馬獎的提名名單正式出爐。亳無疑問，本屆金馬獎真是硬鬥硬，真是四個字形容「劇力萬鈞」。單看最佳導演的提名就有賈樟柯、王家衛、杜琪峰、蔡明亮，四位都是一代巨匠，充滿作者風與風格的導演。同時也不能夠忽視代表台灣衝奧的代表作《失魂》的鍾孟宏。而最佳電影的角逐也是由上述四位巨匠的作品包欖，分別是《天注定》(賈樟柯)、《毒戰》(杜琪峰)、《一代宗師》(王家衛)與《郊遊》(蔡明亮)，而另一個名額就是來至新加坡新秀導演陳哲藝的《爸媽不在家》奪得。

                                     

陳哲藝的《爸媽不在家》是源至於他自己與外傭姐姐相處的故事，也有輿論稱為「新加坡版的桃姐」。

影壇要有新秀繼承前人，所以新秀導演也有看點，香港代表有梁樂民、陸劍青的《寒戰》，兩人已經在金像獎獲得最佳導演的殊榮，未知可否再下一城。而香港的代表也有麥浚龍帶著他的首作《殭屍》。而內地方面則有憑處女作《致青春》一舉奪得五億票房的趙薇，台灣方面許肇任則帶作青春愛情小品《甜秘密》入選。而不可忽視的是早在康城影展得獎的新秀導演陳哲藝，他的呼聲也相當高，先得到國際認可，如今入選難免是小菜一碟。

而講到驚喜的莫過於顏卓靈憑《狂舞派》獲最佳女主角的提名，第一次入選就碰上章子怡、舒琪、桂綸鎂與鄭秀文一眾經驗多的影星。而同樣是顏卓靈主演的香港電台短片《流放地》也入選為最佳短片的項目。而影帝方面競爭也十分激烈，梁朝偉、張家輝、梁家輝都是影展常客，王羽也曾經在台北電影節中奪得最佳男主角的獎項，相當有機會。而李康生更加是蔡明亮的御用演員，別忘記蔡明亮說要退出一事，會否給予獎項「挽留」有很大的懸念。

而有留意台灣紀錄片的都或多或少會認識楊力州，而他憑《拔一條河》入選最佳紀錄長片。

                                         

李安:很想要吧?(設計對白)

由於金馬獎採用的是「報名制」，故獲提名的電影在台灣未有上映也有提名資格，與香港金像獎的以「上映」為資格有所分別。而金馬獎也可算為看電影的選擇之一，今年的提名電影裡頭有大部份都去過康城、威尼斯影展，甚有看頭。強導絕對是本年度的亮點，更為金馬五十添了色彩。既然有強導就當然要強勢下去，金馬獎的評委會主席是李安。星光煜煜耀金馬。而金馬獎則在11月23日在台北舉行，屆時香港會有電影台進行直播。